Comentario Final del Semestre

Alejandro Herrera Creel

Profesor Andrea Di Castro

Fotografía I

13/12/2013

                                                           

Comentario Final de Semestre

            Fue un semestre con mucho trabajo, mucha productividad y sobre todo mucha intensidad. Podría decir que mis habilidades fotográficas crecieron de una manera muy notable. Siento que la manera en la cual decidí ampliar mi conocimiento en el campo fotográfico fue todo un reto ya que escogí utilizar fotografía análoga sobre fotografía digital y realmente pude lograr mis objetivos y entregar mis trabajos a tiempo durante el curso.

            En primer lugar aprendí a utilizar bien una cámara y la mayoría de sus funciones así como también la manera en  que trabajan, ya que antes solamente había utilizado una cámara semi-automática y era muy fácil lograr lo que uno quería dependiendo de la sensibilidad del rollo. Ahora he aprendido a utilizar una cámara réflex análoga; la Nikon F3, la cual  realmente se convirtió en mi herramienta principal durante el curso.

            Me di cuenta de que es muy importante en que sujetos o situaciones saber usar cada rollo y la sensibilidad de este, de este modo me acostumbre a crearme una bitácora mental en la cual visualizaba cuales quería que fuesen mis sujetos dependiendo del rollo y su sensibilidad. Aprendí a utilizar mi lente 50mm de una manera casi automática y ya sabia como capturar a mis sujetos con la apertura y la velocidad correcta aunque casi siempre utilizaba diferentes aperturas y obturaciones en el mismo sujeto por si acaso una foto estuviera con mas o menos luz que otra, siempre obtendría la exposición correcta.

            Creo que el utilizar rollos en blanco y negro fue divertido y fue un muy buen estudio y ejercicio de cómo utilizar la luz y como exponer correctamente para tener una muy buena apreciación de una gama de grises el cual contenga de la zona mas iluminada a la zona mas obscura. Tuve muchísimas mas complicaciones cuando trate de fotografiar con rollos a color pues ya tenia una idea de que fotografiar en blanco y negro y fotografiar en color era lo mismo. Aprendí que al contrario de lo que pensaba, fotografiar en color era mucho mas diferente pues se tenia que exponer casi todo en el sujeto en vez de solo los objetos que reflejan la luz, como es en el caso en blanco y negro. Por esta razón y por la falta de una cámara digital, decidí enfocarme mas en la fotografía análoga en blanco y negro, algo que fuera mas clásico y tradicional.

            Tuve la buena suerte de poder usar un par de cámaras digitales ya que un buen amigo me prestaba ocasionalmente su Nikon D60 y mi hermana también me presto ocasionalmente una Nikon D90. Esto me dio la posibilidad de experimentar ambos tipos de fotografía y realizar algunos ejercicios que son mucho mas fáciles de lograr a través de la cámara digital, como los ejercicios de luz y de tiempo o las fotografías HDR. El aprender a utilizar PhotoShop por lo menos de una manera básica, también fue algo que me ayudo a progresar bastante pues en un negativo de 35mm escaneado se necesita de mucha post-producción para que la fotografía se llegue a ver casi como una fotografía digital aunque a veces yo prefiero como se ve la fotografía análoga pues genera un cierto sentimiento de antigüedad y de ensueño. Es un trabajo muy cansado y tedioso estar reparando y editando negativos escaneados ya que se llenan de basuritas y esta para mi fue la peor parte de tomar fotografías análogas pues realmente no me gusta estar enfrente de la computadora por tanto tiempo.

            Las lecturas a leer estuvieron todas muy interesantes. En especial a mi me pareció tanto entretenida como interesante, así como también muy informativa; la lectura de Ritchin de “Después de la Fotografía.” Realmente me intereso mucho analizar todas sus propuestas e imaginarme sus predicciones sobre el futuro y que es lo que nos depara como humanidad.

            También siento que fue muy útil el analizar las fotografías junto con el profesor y la clase. Escuchar y aprender de las diferentes opiniones de mis compañeros y analizar tanto la composición como el sujeto y cada detalle; desde que nos esta tratando de decir la foto hasta que sentimos al observar la foto, etc. Entonces cada vez que salía a tomar fotografías, pensaba en todo el feedback que había recibido de parte del profesor y de los compañeros, esto hizo que mi fotografía mejorara bastante.

            Finalmente quiero agregar que aprendí a capturar momentos únicos y a las personas. Me di cuenta de que si en verdad quería retratar la emoción o el sentimiento en una fotografía, tenia que acercarme mas a mis sujetos y realmente no pedir permiso si fotografío o no pero sobre todo tratar de hacerlo de la manera mas discreta y cuidadosa para conseguir mi sujeto fotografiado. Sobre todo fotografiar sin que la gente se de cuenta de que estas fotografiando o si se dan cuenta que sea menos de un segundo después. Estos fueron algunos de los elementos que hicieron mis ultimas fotografías.

Sobre "La Camara Lucida" de Roland Barthes

Alejandro Herrera Creel

Profesor Andrea Di Castro

Fotografía I

23/10/2013

                                               “La Cámara Lucida” de Roland Barthes

            Mas que un libro que estudia y analiza la Fotografía en si; “La Cámara Lucida” de Roland Barthes, es una experiencia personal del escritor. No solo nos habla de su percepción personal sobre la Fotografía y la manifestación artística de esta, sino que también es una narrativa que describe una experiencia tanto personal como sentimental que reúne temas y conceptos como el recuerdo, la nostalgia, la muerte y el rencuentro con su madre a través de este arte.

            Haber leído este libro fue una experiencia muy interesante pues me pareció una especie de manifiesto sobre lo que realmente significa capturar un momento en el tiempo y no solo eso sino capturar una realidad, un sentimiento y de cierto modo la inmortalidad de alguien o algo como realmente es a diferencia de la manera en la que el pintor o el escultor perciben y reproducen una imagen la cual generalmente tiende a ser mas idealizada que real. Roland Barthes describe: “La Fotografía no rémora al pasado…el efecto que produce en mi no es la restitución de lo abolido(por el tiempo, por la distancia) sino el testimonio de lo que veo ha sido”(Pagina 128) “La Fotografía tiene que ver algo con la resurrección”(Pagina 129)

Barthes concibe una percepción tanto espiritual como metafísica acerca de cómo puede lograr una fotografía capturar y volver a transmitir aquella luz que alguna vez reflejo un objeto o una persona para ser capturada por una cámara.

También, sentí que este libro es una despedida de Roland Barthes ya que el prologo describe que el escritor murió poco después de haber terminado el libro y aunque otros ensayos, notas y libros fueron publicados después de “La Cámara Lucida”; la manera en que Barthes toca el tema de la muerte y la relación de esta con la Fotografía así como también, el reencuentro con su madre a través de la “fotografía del Invernadero” me hicieron percibir que el ya tenia un cierto presentimiento de que su muerte se aproximaba.

            La primera parte del libro es un análisis personal de cómo Barthes percibe la Fotografía. Nos describe como la Fotografía se escapa de la clasificación de artes visuales pues realmente captura las cosas como son: “…lo que la Fotografía reproduce al infinito solo tendrá lugar una vez…Repite existencialmente lo que nunca mas podrá repetirse”(Pagina 29.) Esto lleva al autor querer encontrar la esencia de que era lo que le llamaba la atención sobre la Fotografía.

Barthes crea su propio análisis sobre como la Fotografía opera en diferentes aspectos. Primero, esta requiere de tres practicas fundamentales: el hacer, el experimentar y el mirar. Nos dice que existen también tres elementos fundamentales: el operator el cual es el fotógrafo, el spectator que en si somos todos aquellos que observamos los periódicos, las revistas, álbumes, colecciones de fotos, etc. Barthes atribuye la creación de la Fotografía a los químicos y no a los pintores, divide la Fotografía en dos ordenes que la hacen química por la acción de la luz sobre ciertas substancias y física por la formación de la imagen creada a través de un dispositivo óptico. La Fotografía del operator consiste en la visión y la Fotografía del spectator consiste en la revelación química del objeto.

 Finalmente tenemos el spectrum de la fotografía el cual es el sujeto o el referente así como también aquel o aquello que es fotografiado y que produce el efecto de la imagen, esto teniendo que ver con el sujeto mirado y el sujeto mirante. Barthes nos habla de cómo un sujeto cambia cuando sabe que esta siendo observado lo cual lleva al sujeto a posar haciendo que este se convierta en alguien mas y ya no en la persona que realmente es.  Es interesante cuando describe que el quiere ser fotografiado como quisiera verse; como un retrato pintado de una manera idealizada y manifiesta que le gustaría poder ver y repetir la foto hasta sentirse que esta se ve como el lo desea. A mi manera de verlo; predice un poco la manera digital de tomar fotografías hoy en dia pues, actualmente muchas personas posan y toman varias fotos de ellos mismos(las cuales se llaman selfies) hasta lograr la imagen deseada.

            Como spectator, a Barthes solo le interesaba cierto tipo de Fotografía por sentimiento, podía descartar varias fotografías y se quedaba con aquellas que realmente le interesaban y que se quedaban marcadas en el como una herida: “…veo, siento luego noto, miro y pienso…” También describe que necesita encontrar un sentido de aventura en la Fotografía, necesita la insurrección del momento; La Fotografía como testimonio político o como un cuadro histórico, la realidad que se vive. Esto lleva su análisis a dos observaciones importantes en una fotografía: El Studium y el Punctum.

El Studium es el gusto y la aplicación de alguien o de algo y es en si, inconsecuente ya que se deja llevar por un “me gusta/no me gusta.” Su función es informar, representar, hacer significar o dar ganas. El Punctum tiende a ser algo mas especial y para Barthes es clave en una fotografía ya que representa justamente lo que en el crea una herida, es un pequeño detalle en la foto que se expande y punza. Barthes lo describe como aquella casualidad que despunta a la fotografía, es el punto en efecto. Cuando esto sucede, Barthes lo describe como una “fotografía urinaria” en donde se crea un choque fotográfico el cual transforma la realidad sin desdoblarla. La sola presencia de este detalle hace que el resto de la fotografía cambie. En este caso el Studium esta siempre codificado y el Punctum no lo esta pues lo describe como una pequeña explosión en expansión: “En el fondo- o en el limite para ver bien una foto vale mas levantar la cabeza o cerrar los ojos”(Pagina 93)

            En la segunda parte y final de su libro, Barthes habla sobre su madre y su reencuentro con ella. “La foto del Invernadero” a la cual se refiere constantemente, es aquella fotografía que captura la esencia de la madre de Barthes. Esta foto remonta a todo lo que para el significaba su madre, la tristeza que su muerte había producido en el. Cuando su madre muere, Barthes confesa que pierde la esperanza de vivir y el terminar “La Cámara Lucida” se convierte en una de sus únicas finalidades. Esta fotografía es lo que lo lleva a buscar en si, la naturaleza de la Fotografía.

Algo que realmente me intereso de esta segunda parte fue su descripción sobre la luz y como esta viaja desde el reflejo de lo fotografiado hasta llegar a una fotografía, la manera en la que describe “La fotografía del invernadero” es realmente poética: “…la Fotografía del Invernadero, por descolorida que este, es para mi el tesoro de los rayos que emanaban de madre siendo niña, de sus cabellos, de su piel, de su vestido, de aquel día.” Barthes describe que no le agradan los colores pues cree que en el blanco y el negro se encuentra la esencia de la luz.

                        Finalmente habla de un tercer Punctum el cual va mas allá de un pequeño detalle, este tiene que ver con la intensidad y el tiempo, el énfasis del “esto-ha-sido.” Este Punctum representa lo que esta por suceder en la fotografía y que al mismo tiempo ya ha sucedido en el tiempo real: “Esto ha muerto y esto va a morir.” Barthes describe entonces a los fotógrafos de hoy en día como “Agentes de la Muerte” pues esta(La muerte) tiene que perdurar de algún modo; si no esta presente a través de lo religioso lo tendrá que estar en la imagen que produce la muerte al querer conservar la vida.

            Barthes finaliza “La Cámara Lucida” hablando de la identidad y de cómo se perciben aspectos que no vemos cuando vemos las cosas en la realidad. Cuando se trata de fotografiar objetos solo concierne a la realidad, pero cuando se fotografía a una persona se captura la esencia. Barthes habla sobre un cierto “aire” el cual puede ser capturado solamente cuando se retrata a una persona y la mirada que percibimos no es la misma que percibimos cuando vemos la imagen capturada a través del cine ya que esta es ficticia. La mirada fotográfica es retenida por algo interior.

Barthes describe como la sociedad se empeña en sentar cabeza a la Fotografía a través de dos medios: El primero consiste en hacer arte de una fotografía y el segundo en generalizar las imágenes y relacionarlas con otras pues la Fotografía contiene una cierta demencia que otras artes no tienen. Cuando no hay demencia alguna en la Fotografía, esta puede ser un arte y al ser una imagen generalizada, des-realiza completamente el mundo humano de los conflictos y los deseos con la excusa de ilustrarlos. De acuerdo a Barthes, la Fotografía puede ser cuerda si su realismo no deja de ser relativo o loca si presenta el realismo absoluto. Finalmente es el quien decide como ver la realidad de cada fotografía.

            Creo que este libro realmente transmite una concepción acerca de lo ilusoria que puede llegar a ser la realidad para cada uno de nosotros, dependiendo desde que punto la veamos y la visión y el efecto que podemos llegar a crear a través de este medio. La Fotografía nos puede llevar a ver la realidad tal y como es o revertirla para desaprender lo que ya sabemos, nos puede llevar en una sola dirección o en varias otras direcciones lo cual me hace pensar en el ultimo grito o sentimiento que Barthes expresa sobre la Fotografía; la piedad y la demencia que le producía querer encontrar esa naturaleza y que lo lleva a esta percepción ilusoria de la realidad: “La Fotografía se convierte entonces para mi en curioso medium, en una nueva forma de percepción, verdadera a nivel de tiempo: Una alucinación templada de algún modo modesta, dividida(por un lado no esta ahí por el otro sin embargo ha sido efectivamente) una imagen <<demente>> o <<barnizada>> de la realidad.”

Procesos Fotográficos Antiguos

Alejandro Herrera Creel

Profesor Andrea Di Castro

Fotografía I

17/09/2013

                                                        -Procesos Fotográficos-

            Los primeros procesos fotográficos se inventaron durante el Siglo XIX aunque, la cámara obscura fue concebida mucho antes y empleada desde el Siglo XVI. La cámara obscura fue una herramienta que era utilizada mas que nada por los pintores para ver la imagen pues, hace que la luz viaje en una línea recta. Realmente se podría decir que la cámara obscura fue el primer proyector de luz. Hubo también diversos procesos ópticos y fotoquímicos que llevaron a estos procesos de luz hasta la fotografía. No fue hasta el Siglo XIX, que estas proyecciones fueron realmente capturadas en una superficie plana a través de varios métodos los cuales dieron origen a las primeras fotografías, a esto se le conoce como los primeros procesos fotográficos. Estos consistían de diferentes pasos, los cuales eran muy complicados y requerían de una gran cantidad de tiempo y cierto nivel avanzado de conocimientos químicos para lograr una sola exposición de luz en la cual la imagen quedaba capturada en algún material como papel, placas de cobre o de plata, así como también espejos. Cada proceso fotográfico fue una versión mejorada de la anterior. En estos procesos; se utilizaban compuestos fotosensibles similares pero utilizados de diferente manera. Rápidamente, estos procesos fueron evolucionando y perfeccionándose. El problema de plasmar la imagen estaba resuelto pero, no se había logrado fijar la imagen sin que se desvaneciera o ennegreciera al ser expuesta a la luz o al aire exterior. Esta es una breve descripción de algunos de los primeros y mas antiguos procesos fotográficos.

-Daguerrotipo:

Fue inventado por Louis Daguerre, aunque los rumores dicen que Daguerre estudió los apuntes basados en experimentos anteriormente emprendidos por Nicéphore Niépce, de los cuales Daguerre desarrollo y perfecciono el daguerrotipo. Fue presentado por primera vez el 19 de agosto de 1839 en la Academia de Ciencias de París.

Para lograr el daguerrotipo; se utilizo un prototipo con la función de una cámara obscura, una caja hecha de madera en la cual primero se obtiene una imagen positiva usando una placa de cobre cubierta por yoduro de plata, después esta es expuesta a la luz. Los tiempos en los que el sujeto u objeto fotografiado eran expuestos a la luz variaban desde 30 minutos hasta a un par de horas, por lo que las personas fotografiadas tenían que utilizar un aparato el cual mantenía a la persona fija. La imagen se rebela al ser expuesta con vapores de mercurio, después se fijaba con agua salada y a esto le precedía un baño de agua. Después había un proceso de coloración en el cual se pintaba la imagen con los colores vistos en la imagen real y se completaba la imagen si a esta le faltaban porciones. Finalmente, la imagen se colocaba en un marco y se le colocaba un vidrio encima para evitar que esta se ennegreciera al entrar en contacto con el aire. Esta fue una de las desventajas del daguerrotipo así como principalmente las largas exposiciones, la imagen era demasiado sensible debido a la escasa sensibilidad a la luz de los materiales utilizados y la abrasión así como también, el hecho de que no se pudieran producir una o mas imágenes, haciendo que cada daguerrotipo fuera único.

-Calotipo:

El calotipo o talbotipo, es un proceso fotográfico mejorado el cual fue inventado por William Fox Talbot. El 8 de Febrero de 1841, Talbot presento una solicitud para patentar este proceso el cual se diferencia del daguerrotipo pues consiste en utilizar un papel negativo, el cual puede ser utilizado para crear copias ilimitadas de la imagen. El calotipo exploro las posibilidades de una manera mas científica pues mas que nada se utilizo para documentar imágenes que fueran mas reales y que retrataran la vida diaria o la naturaleza en vez de imágenes que se basaran solamente en retratos.

En vez de una superficie metálica hecha de cobre o de plata, en el calotipo se utiliza un papel especial el cual contiene nitrato de plata y yoduro de potasio. Se repite casi el mismo proceso que en el daguerrotipo aunque, justo después de que el papel sea expuesto a la imagen con la luz; el papel se vuelve a sensibilizar con una solución de nitrato de plata y acido gálico. La exposición a la luz toma un tiempo de 1 a 5 minutos en la cual se forma una imagen poco visible, la cual se convierte en el negativo. Una vez que el negativo se seca, se revela nuevamente con nitrato de plata y acido gálico así como también se utiliza un fijador hiposulfito. Después, el papel se transparenta a través de un proceso de bañado con cera derretida. Después de este paso, de la imagen negativa se produce una imagen positiva al juntarla con otro papel exactamente igual en el cual las sales de plata son absorbidas por las fibra de este, el cual también era sensibilizado con nitrato de plata y yoduro de potasio.

Al principio, la nitidez del calotipo era mucho menor que la del daguerrotipo, pero poco después este proceso se fue perfeccionando cuando el papel fue mejorado a papel salado. Las exposiciones pasaron a ser de 30 minutos a casi 30 segundos.

-Ambrotipo:

Fue descubierto por Gustave Le Grey, Frederick Scott Archer y Peter Fry. Fue patentado por James Ambrosse Cutting en 1854 en los Estados Unidos. El ambrotipo, aunque es muy similar al daguerrotipo fue el proceso que sustituyo a este por ser mas rápido y económico. La mayor parte de los ambrotipos también consistía de retratos.

Su procedimiento consiste en usar de base el proceso de Colodión, el cual es un proceso húmedo. En el ambrotipo se utilizan placas negativas subexpuestas hechas de vidrio las cuales al ser montadas sobre una superficie negra hecha de papel o tela; se produce una imagen positiva. Al igual que los daguerrotipos, todas las piezas son únicas y no se pueden producir copias debido a la subexposición de la placa de vidrio y tambien por ser imágenes producidas directamente de la cámara así como también, se producían en cajas y marcos cubiertas por vidrios. Debido a la falta de contraste, también eran coloreadas por pintores y al final del proceso la imagen era barnizada. A diferencia de los daguerrotipos, los ambrotipos siempre mantenían su imagen positiva a pesar de rotar el ángulo de iluminación de la imagen, tampoco se producía un efecto de espejo en donde la imagen desparecía con el ángulo de iluminación.

-Cianotipo:

Inventado en Inglaterra por Sir John Herschel en 1843, el cianotipo es otro proceso fotográfico que también es conocido como el blueprint o ferroprussiate print.

En este proceso se utiliza las sales de hierro para aplicar una propiedad fotosensible en materiales como papel, tela, madera, piel o cerámica, generando un color azul.

Este proceso es bastante sencillo comparado con los anteriores pues no necesitaba del uso de un cuarto oscuro o químicos costosos. Se utilizan dos porciones de dos tipos de soluciones diferentes: Hay una solución A y otra solución B. En la solución A, se utiliza citrato de fierro amoniacal y agua destilada y en la solución B, se utiliza ferrocianuro de potasio y también agua destilada. En este proceso se mezclan la soluciones A y B, se ocupa un pincel o brocha para aplicar el material, y por medio de una caja con focos ultravioleta, se transfiere la imagen al material deseado. El proceso de exposición es de 15 y 30 minutos.

-Ferrotipo:

Fue otro proceso fotográfico inventado por Adolph Alexandre Martin en 1852.

Los ferrotipos fueron considerados las versiones baratas de los ambrotipos por un tiempo debido a que los materiales eran mas baratos.

Este proceso también era muy parecido al daguerrotipo pues la imagen era expuesta en una placa de hierro la cual era fijada en la cámara. En este proceso, antes de la exposición, la placa se laqueaba con barniz japonés negro o café en vez de el común uso de la plata o el cobre. Antes de la exposición en la cámara, se sensibilizaba con Colodión y nitrato de plata. Debido a la placa negra y a su formación negativa, la imagen aparecía en positivo.

Ensayo sobre "Después de la Fotografía" por Fred Ritchin

Alejandro Herrera Creel

Profesor Andrea Di Castro

Fotografía I

13/08/2013

                                            “Después de la Fotografía” de Fred Ritchin

            "Después de la Fotografía" de Fred Ritchin, es un gran análisis y estudio acerca de la Fotografía y la transición que este arte ha experimentado a través de los años hasta el presente así como también; es una exploración sobre las diferentes direcciones a donde la Fotografía se podría dirigir en el futuro. Ritchin pondera sobre el poder que la Fotografía ejerce; el impacto de las imágenes y como pueden influir, transformar y moldear a nuestro mundo así como también; hacia donde nos dirigimos como cultura y humanidad a través de su uso y el rápido avance de la tecnología en la era digital en la cual nos encontramos en el presente.

Ritchin nos lleva a explorar temas como el uso moderno de la fotografía, la transición entre fotografía análoga y la fotografía digital, la intervención y manipulación de las imágenes, el verdadero sentido de la fotografía; parte de su historia y sus principios, la documentación de momentos, la interacción entre el fotógrafo y lo fotografiado, los usos que le presidieron a la Fotografía; desde la documentación de momentos históricos y el fotoperiodismo, la concepción de lo estético hasta a donde a llegado la explotación y el uso de imágenes con fines corporativos y gubernamentales para vender productos, crear guerras, manipular elecciones o vigilar a la sociedad. Ritchin también explora y analiza temas como el futuro del ser humano y el avance de la tecnología en donde predice que ambos tendrán una convergencia; la transición de la humanidad como la conocemos hasta convertirnos en una humanidad genéticamente modificada, transformándose rápidamente en cyborgs o existiendo en realidades virtuales. El libro también propone distintas posibilidades de el uso de la fotografía en la era digital y que direcciones podría tomar para crear una consciencia colectiva que pudiera ayudar a crear un mundo mejor así como también, explora posibilidades como cual será el siguiente paso de la fotografía y las imágenes. Explora conceptos como; si de lo digital las imágenes podrían trascender a lo quántico o a lo intangible.

Ritchin comienza por explorar la etapa de la historia en la que nos encontramos: La Era Digital, el libro comienza con la frase “Hemos entrado en la era digital y la era digital ha entrado en nosotros.” Nos encontramos en una etapa en la que dependemos de la tecnología y gran parte de nuestras vidas se basa en el uso de computadoras o teléfonos celulares, por esa misma razón el ser humano esta en desventaja contra las maquinas pues nos hemos vuelto totalmente dependientes creando una realidad diferente a lo que era percibido como la vida real. Nos encontramos en una era en donde experimentamos una realidad digital en la que interactuamos con el mundo través de el Internet o la Red, el cual es un mundo intangible. La información y el arte ya no son conceptos como los percibíamos antes sino que ahora están sujetos a la constante transformación e intervención tanto del gobierno hasta como de diseñadores o bloggers. Ritchin fundamenta que hoy en día no podemos estar seguros de que una imagen es real pues todo se puede alterar fácilmente a través de PhotoShop y otros programas. Esto puede ser usado para manipular al espectador y llevarlo a creer en la desinformación. La documentación de un momento alterada para crear una ilusión y la deshumanización del ser humano en donde creamos un “yo” digital  recreado de acuerdo a como nos quisiéramos ver y estamos acostumbrados a ver imágenes que aunque sean sorprendentes y de gran impacto, ya no nos afectan debido a una desensibilización a causa de la cantidad masiva de información y desinformación a la estamos expuestos.

Ritchin analiza el uso de la Fotografía durante las guerras y los eventos históricos; el uso de imágenes a través de la historia y los patrones que se repiten para fundamentar y crear causas las cuales pueden manipular al publico. La imagen de la bandera de Estados Unidos utilizada como un símbolo de patriotismo y haciendo que Estados Unidos y su historia fuera “formada por imágenes como parte de un guión” primero en la segunda guerra mundial en Iwo Jima, Japón  y después durante los ataques al World Trade Center durante el 11 de Septiembre, creando así una concepción patriótica de este país. La presencia de fotógrafos en las diferentes guerras ha sido un gran factor en la noción de la conciencia pero esto ha cambiado con el tiempo y el avance de la tecnología. Hoy en día cualquiera puede documentar los eventos actuales a través de una cámara digital o un teléfono, modificarlos y subirlos a la Red haciendo que esto tenga diferentes efectos en el publico espectador. El libro también habla sobre la Fotografía utilizada como cliché usado tanto en tarjetas postales para que turistas visiten locaciones populares hasta para el uso de la mercadotecnia. Imágenes alteradas para fines corporativos así como también para hacernos creer en una imagen de cómo las cosas deberían de ser y de lo que deberíamos de consumir.

            El libro habla de la comunicación que puede crear la Fotografía, en donde tanto el sujeto fotografiado como el fotógrafo son participantes de un lenguaje que se crea en aquel momento documentado. Esto hace que la ambigüedad de una fotografía provoque y motive al espectador a cuestionar el significado y el sentido de lo fotografiado. Ritchin describe la evolución de los hipervínculos y el hipertexto hacia la híper-fotografía en donde una fotografía lleva a otra fotografía relacionada con la anterior y la intención de la imagen puede fluir en mas de una dirección como llevar al lector a adquirir información acerca de lo visto en la fotografía y le pueda dar opciones de cómo ayudar o como involucrarse con lo fotografiado. Ritchin da varios ejemplos de una gran cantidad de sitios Web que existen hoy en día, los cuales ayudan al fotoperiodismo conciente a crear una conciencia colectiva mundial y a promover fuentes de información en donde la fotografía social proviene del publico en general. Ritchin promueve la decisión de considerar tener una critica antes de subir una foto a la Red pues muchas veces puede perder los conceptos exóticos o críticos, esto puede generar un impacto negativo hacia comunidades determinadas, muchas veces generando conflictos sociales o de otros tipos pues la fotografía conciente es vigilada por los gobiernos ya que hoy en día “ellos o la policía pueden ver las imágenes desde cualquier computadora.”

Encontré interesante el punto de vista de Ritchin sobre el uso de la fotografía y la tecnología para espiar a la sociedad y crear un estado de “seguridad” pues alude a libros futuristas como “Un Mundo Feliz” de Aldous Huxley, “1984” de George Orwell o “Fahrenheit 451” de Ray Bradbury. Ritchin predice situaciones como la fusión entre la maquina y el ser humano, la concepción de los cyborgs hasta la ingeniería biológica de el ser humano alterado genéticamente. Siento que esta ficción ya se aproxima a un futuro cercano debido al avance exponencial de la tecnología, el cual sin duda estamos experimentando. Ritchin predice un futuro en donde  la Fotografía podría incorporase a nuestros cuerpos y podríamos producir imágenes basándose en la presión arterial sanguínea o incluso a través de los pensamientos, esto podría llegar a crear situaciones que crearan los “policías del pensamiento” como en la novela de Orwell. También habla de paredes las cuales podrían generar imágenes de cualquier paisaje que deseemos, esto me recuerda a “Fahrenheit 451” en donde las habitaciones están formadas por  paredes que producen la imagen que se deseé y con las cuales pueden comunicarse con cualquier persona aunque también a través de estas paredes, las autoridades siempre están vigilando a la sociedad.

Ritchin presenta varias ideas sobre la Fotografía del futuro las cuales podrían tomar direcciones benéficas para la sociedad; como el Cubismo en la fotografía en donde a través de una yuxtaposición imágenes podemos ver dos perspectivas diferentes del mismo momento que esta siendo documentado y así no tener una sola percepción de lo que la fotografía nos esta transmitiendo. También propone la idea de crear fotografías que presenten una versión del futuro el cual no ha sucedido todavía, esto siendo contrario a una fotografía convencional pues muestra el pasado en donde solo podemos percibir el momento de la imagen y no podemos hacer nada para cambiarlo aunque aun así genere cierta conciencia. Una fotografía del futuro podría generar una consciencia que hiciera que dicho evento el cual todavía no ha sucedido, se pudiera evitar. Ritchin describe otras propuestas que tienen que ver con el uso de la fotografía digital por su fácil alteración y el uso benéfico que se le podría dar.

Finalmente, Ritchin cierra el libro hablando sobre las diferentes posibilidades y probabilidades que genera una fotografía; desde llevarnos a distintos sentimientos o sensaciones hasta a la percepción de diferentes dimensiones a través de capas digitales que no podemos palpar de una manera tangible. Habla sobre el momento de la captura de una imagen y el instante después, en donde nuestra mente podría generara posibilidades y probabilidades que existen en diferentes tiempos creando así una fotografía quántica no tangible que se relaciona con lo espiritual y lo etéreo.

            Creo que este libro tiene la intención de concientizar a aquellos que se interesan en la Fotografía como un arte que esta en constante evolución. Al principio de su libro, Ritchin expresa que la Fotografía en si ha “llegado a su fin, aunque también se esta ampliando gracias a un medio que evoluciona dentro de ella: la fotografía digital.” Pues, en una era en la que cada vez mas dependemos de lo digital, en donde nos enfrentamos a grandes retos por los errores que hemos cometido como humanidad y en donde tenemos que cuestionar todo. La Fotografía nos sirve como un medio que crea constantes posibilidades de expresión a través de las nuevas tecnologías, la pregunta es en cual dirección nos podría llevar? Podríamos usar la Fotografía como una herramienta para generar nuevas maneras de generar consciencia y tratar de resolver los errores que hemos cometido como humanidad o podríamos usar la Fotografía como un arma contra nosotros mismos para convertirnos en prisioneros de una realidad inexistente?

Pruebas Fotográficas y Camara(Procesos y Conclusiones)

Las pruebas fotográficas fueron un poco confusas por diferentes razones. El dia que tomé las pruebas llevaba una cámara que realmente no servia para el ejercicio pues era una Nikon EM y esta cámara es semi-automatica, el obturador actua de acuerdo con lecturas automáticas, cuando uno escoge el diafragma la cámara escoge la velocidad correcta del obturador. Tuve que usar una cámara analoga Nikon FM3 prestada del departamento de Fotografía y utilize mi lente el cual es de 50mm, con una apertura de F-1.8 a F-22 de diafragma. Tambien tuve que utilizar un royo a color ISO 100.

Tome pruebas con cada apertura, desde lo mas abierto F-1.8, hasta lo mas cerrado F-22 basándome en las lecturas del exposímetro, desde F-5.6 hasta F-22 tuve que utilizar el bulbo y contar los segundos con un cronometro pues no había suficiente luz adentro para compensar la luz con un royo ISO 100.

Mande a rebelar mis negativos y tambien unas ampliaciones de 5X7 pulgadas. Honestamente no siento que mis fotos me estén dicendo mucho o que hayan salido muy bien. En total tome 8 fotos.

-Bitácora:

Foto 1:
F-1.8
Obturador-1/15 de segundo.

Foto 2:
F-2.8
Obturador-1/4 de segundo.

Foto 3:
F-4
Obturador-1/2 de segundo.

Foto 4:
F-5.6
Obturador-1 segundo.

Foto 5:
F-8
Obturador-2 segundos.

Foto 6:
F-11
Obturador-4 segundos.

Foto 7:
F-16
Obturador-8 segundos.

Foto 8:
F-22
Obturador-16 segundos.


Estas fueron las 8 fotos:

                                                                            FOTO 1

  FOTO 2

FOTO 3

FOTO 4

FOTO 5

FOTO 6

FOTO 7

FOTO 8

Realmente no siento que haya habido alguno foto mejor que otra, aunque en mi observación la foto mas efectiva fue la numero 1 y la numero 2 con una apertura de F-1.8 y 2.8, tomando en consideración que estaba adentro y no tenia mucha luz, se llega distinguir una buena nitidez y una buena exposición. La peor para mi punto de vista fue la foto con menor apertura, la foto 8 pues es difícil medir cuanto realmente se tiene que compensar la luz con el bulbo y se necesita de mucha precisión con el cronometro, en este caso la foto salió subexpuesta pues se nota mas obscura que las demás, necesite un poco mas de tiempo en el obturador. Aunque siento que siento que en si, todas se ven muy parecidas.

Breve Ensayo acerca de el libro ¨Sobre la Fotografia por Susan Sontag¨

                                                    “Sobre la Fotografía por Susan Sontag” 

            La Fotografía es un arte bastante reciente ya que surgió durante la primera mitad del Siglo XIX. En este libro se describe una larga y compleja retrospectiva de la historia de la Fotografía y de como este arte se desarrolla, trasciende y evoluciona a través de varias fases diferentes en la historia de su existencia.

            Es verdad que la fotografía ha tenido una cierta omnipresencia desde que surgió pues casi todo lo existente ha sido fotografiado y una fotografía va mas allá de únicamente una imagen, es también una documentación o una apropiación de cierta visión, de una circunstancia, una persona, una cierta realidad en un tiempo especifico o no especifico y un cierto espacio. El primer capitulo nos habla de cómo la Fotografía es una de las artes mas ambiciosas pues tomar una fotografía es apropiarse de lo fotografiado, la cámara es como una arma que captura la realidad, la estética y la verdadera apariencia de una persona o un momento en el tiempo y una circunstancia. La foto no es solo una porción de tiempo sino también de espacio y puede metaforizar la realidad y transformarla por completo.

            A través del libro, son introducidos diferentes puntos de vista de varios artistas así como su visión y sus preferencias, la distinción de la estética fotográfica y hay una constante comparación de el arte de la Fotografía con el arte de la Pintura. Algo muy interesante fue la descripción de la visión decadente de los Estados Unidos en la primera mitad del Siglo XX, los lados que generalmente uno no llega a observar y los cuales fueron documentados por varios de los fotógrafos mencionados los cuales provienen de este país como Lewis Hine o Diane Arbus, estos nos muestran una visión de lo grotesco y lo bello de los Estados Unidos durante esta etapa de decadencia. También se mencionan otros fotógrafos mas naturalistas como Edward Weston o Ansel Adams los cuales nos enseñan otra cara de la fotografía estadounidense como paisajes u objetos capturados con una nitidez muy moderna y los cuales tienen formas geométricas y simétricas. El libro también habla de varios otros fotógrafos mas antiguos y sus perspectivas, pioneros como William Fox Talbot de Inglaterra o Eugene Atget los cuales empezaron a documentar imágenes a través de daguerrotipos y otros métodos mas antiguos. 

Por Alejandro Herrera Creel.

La Fotografia de Henry Cartier-Bresson

La fotografia del señor Bresson es realmente algo que va mas alla de la fotografia normal, deja mucho que decir y al mismo tiempo, sus fotografías dejan a uno sin palabras. Henry Cartier-Bresson es realmente uno de los pioneros en el campo de la Fotografía y la composición de sus fotos ya sea intencional o no, viene realmente de el ojo fotografico de un maestro que ha pasado su vida fotografiando, rebelando negativos, viajando alrededor del mundo y atreviendo a documentar y a capturar imagenes de personas y momentos que indudablemente cambiaron la historia del mundo.

 Por ejemplo, su experiencia con el lider Hindu, el padre del nacionalismo Hindu; Mahatma Gandhi antes de su muerte fue algo que realmente me impresiono pues Bresson le conoce justo antes de su asesinato y después documenta en varias fotos, el proceso entero de su funeral.

Sus fotografías de la vida en Mexico también son increíbles, una de sus fotografías mas llamativas la cual me impresiono mucho fue la de una mujer asomandose desde una puerta de una manera que parece que la mujer esta atorada en la puerta o es parte de la puerta, la fotografía tiene el titulo de: Mexico, 1934. Definitivamente siento que este tipo de composición juega con la mente del espectador.

                                                                     Mexique, 1934.



La fotografía de Bresson realmente ejemplifica lo que es el Foto-periodismo y no cabe duda de que el trabajo de Bresson es uno de los mejores ejemplos a seguir y a estudiar si uno quiere dedicarse a esta profesión. Se necesita mucha practica, miles y miles de negativos revelados, muchas agallas y control para enfrentarse a una realidad tan extensa e intensa, para realmente lograr una vida tan épica como la del señor Bresson, realmente es uno de los pioneros en el Foto-Periodismo y un maestro de la fotografía en si.

Primera Entrada

-Experiencia previa en Fotografía:

A los 17 años tome un curso de fotografía en blanco y negro. Utilice una cámara análoga réflex Nikon EM semi-automática  esto quiere decir que uno escoge el diafragma y dependiendo de la medición de la luz con el expocimetro te da automaticamente la velocidad de obturación. El exposímetro tiene una medición general. Se que el ISO es lo que determina la sensibilidad de la película que uno esta usando y la profundidad de campo se determina por el num. de diafragma que uno escoja . Uno de los trucos que aprendí fue a tomar dobles exposiciones entre otros trucos. También tuve un curso de revelado el cual fue bastante complicado ya que tenia que experimentar con las diferentes exposiciones de luz en el papel fotográfico para conseguir la resolución correcta o el grano deseado, solo utilice negativos de 35 mm.  Estas son algunas de las fotos que tome durante este curso:

Trate de fotografiar la vida en el ghetto de San Francisco; retratos de cholos y la influencia del Hip-Hop en la cultura americana, tambien la vida en la escuela y otros temas, etc.

También contaba con una cámara Canon digital con la cual tomaba este tipo de fotos:

Tres años después, asistí al Instituto de Arte de San Francisco en donde tome un curso de Cinematografía en el cual aprendí a filmar con cámaras Bolex y a rebelar rollos de 16 mm, asi como tambien aprendi a usar cámaras Super 8 y a rebelar rollos de 8 mm. Fue algo complicado pero muy divertido pues produje un par de cortometrajes sin sonido.

Mas tarde tuve la oportunidad de poner mis manos en otras cámaras, esta vez cámaras digitales como la Canon Rebel T3i, la Canon Rebel T4i, la pequeña Hero GoPro 2 o la Canon 5, las cuales(especialmente la Canon 5) tienen una resolución increíble. No produje fotografía con estas cámaras sino que mas bien experimente un poco.

-Que consideras que es una buena fotografía?

Considero que una buena fotografía es la captura de un sujeto, una figura, un lugar o un momento que sea clave en el lenguaje de la expresión humana (la cual es el arte) y este puede variar, desde una pared vieja y dañada hasta un momento histórico, etc.

El foco, el grano, la exposición de la luz, la profundidad de campo y la composición son claves para una fotografía efectiva. La fotografía debe de afectar al espectador de una manera que este entienda la actitud y el sentimiento de dicho sujeto o tema en la foto. Como todo arte, este puede o no afectar al espectador de distintas maneras. En mi opinión personal, he visto fotos que me han dejado con la boca abierta y también otras fotos las cuales no considero buena fotografía de ninguna manera.

Uno de los primero fotógrafos del cual llegue a aprender fue Andre Kertesz, un fotógrafo del Siglo XX que llego a inspirarme por sus temas como la vida diaria, lugares, el amor y la guerra.

-Con que equipo fotográfico cuentas?

Por el momento cuento con una cámara análoga Nikon EM la cual es igual a la que utilice por primera vez experimentando con fotografía.

Prefiero que alguien me ayude a rebelar pues siento que no cuento con la experiencia suficiente para rebelar por mi mismo, por esa razón pienso ahorrar suficiente dinero para adquirir una Canon Rebel T3i durante este primer semestre pues la única otra cámara digital con la que cuento es una Kodak PlaySport la cual no es muy efectiva y su mejor función es el video.

-Expectativas del curso:

Sinceramente siento que todavía no he experimentado mucho en el campo de la Fotografía y espero aprender y a experimentar mas profundamente en este campo pues no siento que tenga experiencia suficiente, por esa razón me siento muy emocionado de empezar el curso.