Sobre D.W. Griffith

-Comentario sobre D.W. Griffith:

David Wark Griffith fue uno de los grandes innovadores del uso de las imagenes en movimiento y del Cine; Utilizando grandes producciones y elencos, actuaciones bien logradas y ángulos de cámara que lograran captar la dramatización y efectividad de la escena asi como también; detalladas escenografías, cambios de tomas y planos para crear una narrativa fluida y sobre todo un lenguaje propio. Griffith coloreaba la película dependiendo de la escena; como es en el caso de "Intolerancia"(1916) para crear una sensación o sentimiento de ambiente. Esto todavia es usado hoy en dia por muchos directores de cine y es definitivamente una efectiva herramienta para crear el ambiente.

A diferencia de pioneros del cine como Georges Mélies; el cual creaban grandes escenarios para narrar una sola escena a traves de un solo plano, Griffith comenzó a crear saltos de planos; por ejemplo desde un plano de campo largo en donde en el centro se encontraba el personaje central, saltaba a un plano de campo medio el cual se concentraba en este personaje. En su epoca, el publico no estaba acostumbrado a estos cambios tan abruptos entre planos por lo que fácilmente se confundían y no entendían lo que estaba pasando en la pantalla. Hoy en día, no podríamos sentarnos a disfrutar una película sin este tipo de edición pues esto es lo que separa lo teatral del cine, ya que en el teatro solo percibimos lo que esta pasando desde un ángulo y el cine nos permite tener una concepción mucho mas clara sobre lo que esta pasando en la historia y de este modo podemos observar todos los detalles. En el lenguaje de Griffith; la narrativa de la historia realmente se desenvuelve de una manera en la que, por mas larga que sea la película, es efectiva en capturar nuestra atención.

Los temas de Griffith son tanto interesantes como controversiales. En "El Nacimiento de una Nacion"(1915) Griffith glorifica al grupo del Ku Kux Klan; los cuales se caracterizan por organizar ceremonias secretas en donde glorifican al hombre blanco caucásico y degradan al hombre negro-africano; en otras palabras utilizan el racismo y promueven la esclavitud y la degradación del africano-americano. Esto es probablemente influencia de su padre el cual fue un oficial que pertenecio al ejercito de los confederados durante la Guerra Civil Americana aunque no puedo estar seguro pues esta es mi opinión. En realidad; la historia se baso en la novela "The Clansmen" de Thomas Dixon. Cuando "El Nacimiento de una Nación" fue estrenada de inmediato se convirtió en un exito comercial aunque creó mucha controversia e incito a la comunidad africano-americana a protestar y rebelarse de distintas maneras. La película definitivamente es efectiva en captar la atención ya que reconstruye a la guerra civil de una manera única para esos tiempos ya que la producción y la escenografía son bastante efectivos. Utiliza muy bien planos de campos largos bien abiertos,  ángulos efectivos de la cámara y el uso de los extras es bastante efectivo ya que en la escena de la batalla y los jinetes cabalgando, a través de la edición recicla a los extras creando la ilusión de que el ejercito esta compuesto de miles de jinetes cuando en realidad son solo unos cuantos.
En contraste a "El Nacimiento de una Nación"; el largometraje que le siguió a este fue "Intolerancia" en donde nos muestra 4 historias intercaladas de distintos tiempos históricos que tienen que ver con la intolerancia así como también, con la desigualdad y la injusticia. Definitivamente es un gran cambio después de su largometraje anterior pues Griffith parece querer transmitir un mensaje totalmente contrario. Esto quizás es un mensaje a aquellos críticos los cuales querían reformar las leyes y protestaban por censurar o prohibir "El Nacimiento de una Nación." En contraste a este; "Intolerancia" alude a la hermandad y a la union.
La produccion y la escenografia son nuevamente bastante efectivos ya que utiliza a varios extras, los planos y sus respectivos cambios de campo hacen que la narrativa fluya de una manera congruente y nuevamente tenemos la colorizacion de la imagen para darnos un entendimiento del ambiente.

-Conclusion: 

D.W. Griffith definitivamente contribuyo al desarrollo propio de un lenguaje cinematografico sin el cual muchas de las películas que vemos hoy en día, no hubiesen sido posibles. A pesar de que las películas eran silenciosas en esa época, el uso de una buena banda sonora creada con una orquestra y el uso de texto entre las tomas; hace que la película tenga una narración con fluidez. Añadiendo el uso de producción bien utilizada; tanto en los elencos como en la escenografía y la edición, el crear un guión que incluyera desde un desenlace hasta un clímax y un final;  Griffith logra desarrollar este lenguaje el cual demuestra una narrativa efectiva que captura la atencion del publico y creo que Griffith exploto estos componentes al máximo dejando un legado que transformo al cine para siempre.

Sobre "La Historia de Lisboa" de Wim Wenders

-Comentario sobre "La Historia de Lisboa" de Wim Wenders:

Esta película del director alemán Wim Wenders me pareció tanto interesante como entretenida; en este caso tenemos la historia de un sonidista de cine; Philiph Winter. Winter es llamado a viajar a la ciudad de Lisboa, en Portugal por su amigo director de cine llamado Friedrich Monroe, quien esta terminando una pelicula en blanco y negro rodada con una camara antigua como la que utilizo Dziga Vertov en su largometraje de 1929 "El Hombre de la Camara." Cuando Winter llega a Lisboa, se alberga en el edificio donde se suponia que se iva a encontrar con Monroe, el cual no aparece hasta 3 semanas despues en las cuales Winter, se ha dedicado a recorrer la ciudad y grabar los sonidos para la pelicula de Monroe. Winter se encuentra con los musicos Madredeus, los cuales estan grabando y produciendo la banda sonora para la pelicula de Monroe y ellos tampoco tienen una pista de donde este se pueda encontrar. La necesidad de Winter por permanecer en Lisboa a pesar de que Monroe no ha aparecido, surge de la atraccion que se desarrolla por el ambiente en el que suditamente se rodea; la misteriosa ciudad de Lisboa, la cual Wenders proyecta casi de un modo onirico, la atractiva cantante de Madredeus; Teresa. Los niños curiosos que siempre estan grabando a Winter y observando su trabajo y las imagenes que Monroe habia dejado atras; las calles, las personas, la ciudad en si misma. Un dia mientras Winter esta tomando un cafe y grabando el sonido de las calles; oye la voz de este y lo encuentra detras de el, Monroe narrando su vision y su realidad. Lo comienza a seguir y este llega a un automovil azul donde Monroe parece estar residiendo continuamente, grabando la ciudad pero alegando que ha dejado su proyecto atras. Al final Winter lo convence de terminar su pelicula.

A traves de toda la pelicula note que me encontraba con el punto central de la historia continuamente, este siendo en si el sonido. El sonido estuvo presente a traves de toda la pelicula, desde el radio en la carretera al principio, el mosquito que molestaba a Winters antes de que este se fuera a dormir, el sonido de las calles; las personas, los vehiculos(autos, trenes, etc) las palomas, los niños jugando, asi como tambien, la magnifica banda sonora producida por los mismos musicos Madredeus, actuando como ellos mismos.

Si bien recuerdo, en el cuarto de Monroe donde Winters reside, escrito en la pared encontramos algo asi como: "Ojalad pudiera ver el mundo como todas las personas al mismo tiempo." Esto me recuerda mucho a la idea principal de Dziga Vertov sobre "El Hombre de la Camara" pues estamos viendo la realidad como es; una documentacion de la era y de los diferentes aspectos que nos rodean de la vida cotidiana. A esto, hace alucion el director Monroe cuando se encuentra con Winters explicandole que; lo que el tenia en mente es grabar la ciudad como realmente es y libre como Dziga Vertov, Monroe describe que la imagen cuenta con una inocencia pura hasta que es mirada por el espectador, cuando esto pasa; el momento en el que se el que tomo la imagen entre la imagen y el espectador, desaparece y cuando esto pasa la imagen muere porque deja de ser pura. Monroe explica a Winter que ha estado documentando la ciudad para no grabarla como el quiere que se vea sino mas bien como es la ciudad en si misma y por esta razon, conserva todas las cintas que ha rodado para futuras generaciones. Pareciera que los niños que siempre estan grabando y los cuales se apegan a Winter desde que este llega a Lisboa estan trabajando para Monroe pues uno de los niños, el mas misterioso y el cual siempre se aparece y desaparece ante los ojos de Winter; siempre lleva una camara escondida en una caja dentro de una bolsa y parece siempre estar grabando o siguiendo a Winter. Al final pareciera que este niño es el asistente principal de Monroe.

-Conclusion:

A mi modo de ver; Wenders nos cuenta la historia de alguien que se pierde en una ciudad y disfruta de su trabajo encontrandose a si mismo, pues en mi experiencia, el viajar a lugares desconosidos e inesperados y sobre todo solo, en donde nos encontramos con nuevos paisajes, nuevas personas, colores, olores y sonidos; siempre nos provoca una chispa de inspiracion para seguir adelante con lo que nos motiva. Esto sucede con ambos personajes principales en la pelicula; Winter tratando de encontrar a su amigo Monroe y explorando la ciudad a traves de los sonidos, utiliza el material el cual Monroe habia abandonado y experimenta la ciudad a traves de sus grabaciones y tambien; creando los efectos de diferentes sonidos de esta. Una parte que me parecio muy interesante aunque apenas entendi pues estaba en portuges, fue cuando uno de los personajes; un hombre ya de edad, esta siendo grabado por Winter, este personaje empieza describir algo sobre la imagen y como la imagen no perdura sino lo unico que perdura es la memoria, explica que  uno quiere vivir por siempre pero no somos perdurables y el capturar la imagen en movimiento como en el cine, es capturar la imagen como la queremos ver y mejor va a perdurar la memoria, el recuerdo de esa realidad.

Definitivamente es una pelicula que dramaticamente es tanto poetica como comica. Esto es muy tipico en las peliculas de Wim Wenders aunque aqui une esas dos cualidades. Por ejemplo en "The Wings of Desire"(1987) observamos un lenguaje muy poetico y despues "Faraway, So Close!"(1993) mantiene ese lenguaje poetico aunque tambien comico.

Sobre "El Hombre de la Camara" de Dziga Vertov

-Comentario sobre "El Hombre de la Camara" de Dziga Vertov:

    Este largometraje de Dziga Vertov producido en 1929, es en mi opinión; uno de los primeros documentales el cual retrataba a la sociedad tal cual como era en esa epoca. Vertov nos muestra una documentación de la época en la cual muestra a las personas, el trabajo, la ciudad, el campo, la tecnología, en este caso; las fabricas y la producción en masa de esa época. También muestra algunos casos especiales como el nacimiento de una persona, el ojo en la cámara o la cámara en el ojo, el mismo fotógrafo documentando, etc.

    Se puede notar que en el trabajo de Vertov; hay una obsesión por documentar todo sobre el tiempo y la vida cotidiana; la Union Soviética la cual se encontraba en su auge mas alto. Este tipo de documentación se separa de el teatro y de la literatura aunque aun así mantiene una narrativa.

   "El Hombre de la Camara" nos muestra tomas y planos que contienen experimentos fotográficos como dobles exposiciones, pantallas divididas, velocidad aumentada, close-ups extremos(como la cámara en el ojo y el ojo en la cámara) diferentes puntos de vista y planos en los cuales nos encontramos arriba de un edificio o arriba de un tren, entre muchas otras tomas.

     La banda sonora(de la version la cual vi) concuerda con las imagenes que aparecen en el largometraje, el ritmo de la musica se sincroniza con el movimiento de la maquina creando la ilusión de sonido con la imagen por ejemplo, en la parte en la cual las maquinas de las fabricas están manufacturando los productos, se sincronizan los tambores de la orquestra con estos movimientos.

    Este documental, el cual seria pionero del genero documental actual; me remite a las películas del director y fotografo Ron Fricke. Este utiliza diversos time lapses, tomas lentas y rápidas, planos con campos abiertos, retratos, ciudades, etc. Su objetivo ha sido mostrar la sociedad y el mundo actual, la vida espiritual, y otros temas a traves de una película la cual no necesita dialogos o una narrativa continua así como tambien la banda sonora al ritmo de la imagen; como es el caso de el "Hombre de la Camara" de Vertov.

    Una de las imágenes que mas me llamo la atención fue la documentación de el bebe naciendo pues en mi opinión; posiblemente es el primer nacimiento documentado. Siento que la documentación de imágenes reales, en si; situaciones, personas, ciudades, sociedades; casos reales y la vida cotidiana como realmente es un ejercicio el cual es sumamente importante pues es importante vernos a nosotros mismos en el tiempo y como hemos progresado en el tiempo.

 
         

Sobre "Metropolis" de Fritz Lang.

-Comentario sobre “Metrópolis” de Fritz Lang:

Este primer largometraje dirigido y producido por el director alemán Fritz Lang en 1927 es en mi opinión; Una obra de arte la cual proyecta una visión increíblemente futurista, para el tiempo en el que fue creado. Basada en el Siglo XXI; definitivamente consiste de varios elementos con referencias del movimiento Futurista ya que alude a la creación de la maquina y a una sociedad absolutista aunque Fritz Lang, contribuyo al expresionismo alemán. En este largometraje también hay referencias esotéricas como los pentagramas que aparecen en las puertas del laboratorio del científico así como también, cuenta con un cierto aire que me remite a la escuela de arte y diseño; Bahaus. El contexto de la película también me remite a novelas como “Un Mundo Feliz” de Aldous Huxley o “1984” de George Orwell ya que nos encontramos con una sociedad utópica en la cual; los personajes privilegiados o elites de esta cierta sociedad; viven en una especie de jardín del Edén mientras la clase obrera trabajadora reside debajo de la gran ciudad trabajando continuamente sin descanso alguno.

Hay varias observaciones las cuales hice y las cuales me llamaron la atención sobre el cortometraje, no podría decir que fueron colocadas ahí con una intención o no, pero sin duda; me remiten a ciertas teorías de conspiración que he conocido, estas hablan de sociedades secretas o entidades antiguas y en este caso la entidad Moloch; el antiguo dios cartaginés al cual le eran sacrificados bebes y el cual es supuestamente alabado por miembros del Club Bohemio; club de multimillonarios estadounidenses; aparece cuando los trabajadores pierden el control de las maquinas subterráneas para torturarlos o tragárselos.

También me llamo la atención el hecho de que el hijo del supuesto jefe de la ciudad se rebela contra su padre y contra el “sistema” de la ciudad cuando se enamora de María, la cual es una mujer que infiltra en los altos niveles de esta sociedad al lado de todos los hijos de los obreros. Este personaje María me remite mucho a la virgen María y lo curioso es como luego es substituida por la maquina y provoca una rebelión entre los trabajadores. Me hace pensar en la manipulación de la política y la sociedad a través de la religión.

Finalmente creo que este fue un largometraje que innovo el cine y del cual surgió la rama de ciencia ficción en el cine después de Georges Mélies. El escenario mostrando características art noveu proyecta al presente de la época el cual trata de representar o proyectar una visión del futuro. Hay planos fijos, close ups y una continuidad fluida entre texto e imágenes.

Lo Pre-Cinetmatográfico

Sobre lo Pre-Cinematográfico:

Después de los descubrimientos de Joseph Plateau sobre la persistencia retiniana y el nacimiento de la imagen en movimiento gracias a los artefactos perfeccionados y a los experimentos realizados por Muybridge y Marey; comienzan a surgir otros creadores los cuales comienzan a perfeccionar el arte de la imagen en movimiento. El americano de origen frances William Kennedy se une al inventor y comerciante americano Thomas Edison y en 1891 desarrollan y patentan el artefacto conocido como Kinetógrafo el cual funciona como la primer cámara desarrollada para capturar imagenes en movimiento en locaciones como casas o lugares techados. Una vez rebeladas las películas; servirían para ser vistas en otro artefacto: el Kinetoscopio, manufacturado y patentado tambien por Edison ese mismo año.

Este artefacto no funcionaba precisamente como un projector de la imagen en movimiento sino mas bien se miraba a la imagen en movimiento individualmente a traves de un visor integrado el cual  contaba con un obturador integrado que abria y cerraba a alta velocidad utilizando el provecho de la persistencia retiniana para que en la imagen; se creara la ilusión de una imagen continua y en movimiento. La imagen en movimiento consistia de una cinta celuloide perforada de ambos extremos; en esta estaban expuestas varias imagenes de secuencias de personas u objetos en movimiento, al rotar la cinta en el Kinetoscopio con una palanca giratoria se observa en el visor la imagen en movimiento. Edison ya habia visitado a Muybridge y a Marey anteriormente los cuales contribuyeron al desarrollo de este invento.
Algunos de los primero cortometrajes de lo pre-cinematografico son atribuidos a Edison, entre ellas se encuentran los Bailes Serpentinos; en donde Edison comienza a experimentar con color al colorear la película. Otros ejemplos de los primeros experimentos de Edison son; "el Beso" en donde una pareja se habla y se besa así como también otros ejemplos de personas en movimiento los cuales fueron de gran impacto al ser proyectadas pues esto crea una nueva forma de entretenimiento e innova una nueva manera de percibir las imágenes.

En 1895 los hermanos Auguste y Louis Lumiére patentan el Cinematógrafo el cual es una cámara mas ligera que el Kinetógrafo y la cual puede ser transportada mas facilmente lo cual permite que locaciones mas arduas como el campo sean mas fácil de acceder. El cinematógrafo captura imágenes al rodar la cinta con una palanca de mano rotatoria la cual captura imagenes a 16 fotogramas utilizando película de 35mm. A través del Cinematógrafo; los hermanos Lumiére perfeccionaron la manera en la que el Kinetógrafo capturaba las imagenes ya que llegaron a la conclusion de que había que hacer que la imagen se retuviera para que tuviera un movimiento constante; bajo la observación de la persistencia retiniana en la cual se la imagen se retiene por una décima de segundo en nuestro ojo, calcularon que las imágenes deverian de ser proyectadas a 10 fotogramas por segundo para capturar el movimiento como realmente mira el ojo humano. Inmovilizando a algunas imágenes y tirando la cinta 16 veces por segundo, los hermanos llegaron a la conclusión de que las imágenes devian de ser proyectadas a 16 fotogramas por segundo.

Durante estos mismos tiempos, el ilusionista frances Georges Mélies también se había interesado en el desarrollo de la imagen en movimiento y fue otro de los pioneros que contribuyo a este nuevo arte. El también desarrollo sus propios artefactos y filmó sus propias películas. Una muy interesante en mi opinión seria "El Viaje a la Luna" (1902) pues su idea de un cohete disparado a la luna a través de un cañón y el encontrar vida en la Luna era una idea bastante moderna y precursora del genero de la ciencia ficción.

Reflexión: 

Tanto Edison como los hermanos Lumiére y Mélies fueron los pioneros del cine y aunque los 3 experimentaron con los mismos artefactos y perfeccionaron la técnica y las herramientas para la captura de las imágenes en movimiento; los 3 tenían una visión y un lenguaje diferente el uno del otro.

Edison estaba mas interesado en documentar cosas comunes que nos intriguen de una manera que nos entretenga de ya que nos muestra los entretenimientos mas comunes de la época como luchadores de boxeo, bailarinas, etc.

Los hermanos Lumiére deciden mostrar una documentación de imágenes en movimiento en planos fijos, mostrandonos imágenes de la vida cotidiana: gente saliendo del trabajo, caminando en las calles, etc. Nos tratan de dar una visión de la época al mismo tiempo que nos enseñan la innovación de sus creaciones.

Finalmente Mélies nos decide mostrar una vision en la que decide contarnos una historia, ficticia o basada en épicas literarias. Experimenta con sus filmes de una manera teatral con complejos diseños de escenarios y vestuario.

Mas tarde surgiría D.W Griffith el cual también inovaria el modo de ver las imágenes en movimiento, el desarrollo de una historia y el lenguaje en el cine, pero en lo que a lo que pre-cinematografico se refiere; Edison, los hermanos Lumiére y Mélies fueron los primeros en realmente llegaron a  innovar las imágenes en movimiento de una manera esencial y no solo de esto, sino también de crear un nuevo tipo de percepción para la gente la cual, serviría como entretenimiento y como una herramienta de difusión tan efectiva como los libros o el teatro.

Es interesante analizar como estos inventos cambiaron la manera de percibir el mundo durante esas épocas, podemos comparar esa reacción a los tiempos actuales pues nuestra percepción del mundo cambia día a día con el uso del internet y las nuevas herramientas tecnológicas que permiten modificar las imágenes como Photoshop o los programas de animación como After Effects o Maya pues, podemos modificar la realidad a nuestro gusto, creando realidades "virtuales" y a través de YouTube y otros sitios de internet, podemos conseguir información de cualquier tema que nos interese y esta es accesible para todos. Podemos expresarnos libremente si contamos con estas herramientas tecnológicas y crear un lenguaje propio.

Persistencia Retiniana

Persistencia Retiniana: 

La persistencia retiniana es una función del ojo humano en la cual, la imagen a la cual estamos mirando permanece en la retina durante una décima de segundo antes de desaparecer y de esta manera podemos percibir los objetos en movimiento. Podemos percibir claramente la persistencia retiniana cuando vemos objetos con movimientos rápidos como las luces de un carro que pasa a gran velocidad o un bailarín que juega con cadenas de fuego; el camino que deja esta luz seria la imagen la cual persistente en nuestra visión.

Este concepto fue introducido y demostrado por primera vez en el Siglo XIX por el físico belga Joseph Plateau quien descubrió que nuestra visión captura el movimiento de un objeto a una velocidad de aproximadamente 10 imágenes por segundo.

De las primeras herramientas que surgieron para demostrar este efecto; el Thaumatropo inventado por John Ayrton en 1825 consistía de dos imagenes colocadas en un disco el cual giraba por medio del uso de cuerdas en ambos extremos, creando la ilusión de una imagen que cambia:

En 1829, utilizando distintos tipos de herramientas; Joseph Plateau demostro la persistencia retiniana creando el efecto de movimiento a tráves del uso de un disco giratorio colocado en frente de un espejo, este invento se llamo el Fenaquistiscopio:

En 1834, William George Horner inventa el Zoetropo, el cual es parecido al Fenaquistiscopio pero se encuentra sobre una base rotatoria y se observa desde los espacios que se forman en el movimiento del disco:

Mas tarde en 1877; inventado por Émile Reynaud surge el Praxinoscopio el cual es casi igual al Zoetropo con la excepción de que cuenta con espejos integrados para observar la imagen en movimiento:

Poco después en 1879; el fotógrafo ingles Eadweard Muybridge inventa el Zoopraxiscopio el cual consiste de un disco con varias imágenes que gira sobre una luz que proyecta la imagen en movimiento en una superficie fija. Este invento fue el antecesor del Cinematógrafo:

El fotografo frances Étienne Jules Marey realizo varios experimentos con el mismo propósito de encontrar la imagen en movimiento, este experimentó con un rifle el cual cuenta con un disco giratorio y por el cual se observa la imagen. La diferencia con Muybridge es que su trabajo era mas científico que artístico ya que tomo secuencias de fotos de varios ejemplos de objetos y personas en movimiento; desde perros caminando hasta personas realizando saltos acrobáticos.

Es curioso que Muybridge y Marey no solo nacieron y murieron en el mismo año y cerca del mismo mes sino que también; contaban con las mismas iniciales en sus nombres y los dos se unieron en la misma búsqueda: analizar la persistencia retiniana y el movimiento en la imagen.

Estos grandes inventores y sus herramientas son  los grandes antecesores del cine.

 El cine nos permite ver imágenes en movimiento las cuales corren a la velocidad de 24 imágenes por segundo. De esta manera podemos manipular el tiempo a través de las imágenes en movimiento; al hacer menos imágenes por segundo creamos una imagen con una continuidad de tiempo rápido y al usar varias imágenes por segundo creamos una continuidad con una velocidad lenta.

Otro tipo de herramientas mas sencillas nos pueden servir para observar la persistencia retiniana como un flipbook tambien llamado Kineógrafo, creado por John Barnes Linnet en 1868:

Conclusión: 

Creo que es interesante analizar este concepto ya que dio origen a la animación, el video y también el cine así como también a como contar una historia o transmitir un mensaje y lo cual cambio la historia de las artes visuales pues lo mas cercano a contar una historia visualmente antes del cine seria el teatro.
En tiempos actuales; la evolución de herramientas y tecnologias modernas como el Iphone y YouTube, las pantallas táctiles o los experimentos de hologramas que están proceso de desarrollo; han sido posibles gracias a estos pioneros de la imagen en movimiento y han sido el producto del descubrimiento de la persistencia retiniana.