Comentario Final

-Comentario Final:

Creo que haber tenido esta clase fue una gran experiencia como parte de un programa de artes visuales. No esperaba volver a acercarme al video pues en realidad nunca he sentido que es mi fuerte, siempre he sentido que es un trabajo un poco tedioso y al principio siempre es difícil cuando uno es introducido a un nuevo programa de edición o a experimentar con cámaras, luces y sonido. Son labores muy técnicas las cuales requieren tiempo y tanto practica como experimentación.

Las imágenes en movimiento pueden llegar a integrarse de varios elementos los cuales no muchas veces son fáciles de manipular pero, como este no fue un curso dedicado al cine completamente, creo que fue una gran oportunidad el poder experimentar con este medio y aprender a usar técnicas como el time lapse, el uso de After Effects, Audacity y Premier. Fue una gran experiencia tener que utilizar los elementos a la mano con un pequeño presupuesto para experimentar en video, sobre todo expresando un contexto propio.

También fue interesante haber aprendido sobre los antecedentes de la imagen en movimiento; Desde el surgimiento de los primeros artefactos como el Thaumatropo hasta las primeras experimentaciones con el Cinematógrafo y años después el Videoarte y lo alternativo. Realmente comprendí cuales son las diferencias entre el Videoarte, el Cine de Arte y el Cine Comercial. Aunque ya tenia antecedentes sobre esta materia, creo que siempre es importante volver a estudiarlas pues siempre se esta aprendiendo algo nuevo y en este caso creo que aprendí bastante.

Creo que un semestre de esta materia es mas que suficiente para poder comprender como funciona la imagen en movimiento puesto que como estudiantes tenemos otras materias las cuales también disponen de bastante tiempo, esto lo digo puesto que la labor de filmación y edición toman bastante tiempo(todo depende de que tan ambicioso sea el proyecto) Quizás despues de un semestre de imágenes en movimiento, se debería de dejar como una posibilidad opcional si el alumno quiere seguir experimentando con estos medios.

De cualquier modo me siento agradecido por haber tenido la oportunidad de aprender mas sobre el arte de las imágenes en movimiento y contar con equipo como buenas computadoras en la escuela y el acceso a asistentes que siempre estuvieron dispuestos a ayudar, esto sin duda es necesario para aprender  y practicar. El querer lograr ciertos objetivos en mis trabajos también me forzó a aprender con tutoriales en internet para lograr algunos de los efectos que quería añadir en mi trabajo final. Sin duda todo esto fue necesario para aprender a expresarme en el campo del arte y el video digital.

Cuenta de Soundcloud

Mi cuenta de Soundcloud a donde subire algunos trabajos relacionados a mi proyecto final es:

soundcloud.com/dj-kharma-khan

Sobre Lev Manovich

-Comentario sobre Lev Manovich: El Soft Cinema

Lev Manovich es un artista visual de origen ruso, proveniente de Moscú y nacido en la decada de los sesentas; se podría decir que es parte de una reciente generacion de videoartistas decididos a experimentar plenamente con el medio electrónico y de una manera tanto original como realmente trascendental en los campos no solo artísticos sino científicos.
Actualmente su trabajo se desarrolla en la ciudad de Nueva York; una de las grandes cunas del videoarte.

Basado en varias locaciones; uno de sus trabajos mas representativos seria el llamado "Soft Cinema"(2002) en donde Manovich desarrolla un lenguaje muy claro y único a través de una serie de vídeos compuestos por varias imágenes. Estas imágenes se complementan unas a las otras así como también conllevan una sincronía con una narrativa auditiva; la cual es básicamente el cuerpo de la imagen. Lo especial de este proyecto son las variaciones algorítmicas que se crean por medio de un programa diseñado especialmente para que nunca se repita la misma historia o se repita de un modo parecido.

En la clase de Imágenes en Movimiento; vimos una porción de este proyecto denominado "Soft Cinema." En mi opinion personal; es claramente un proyecto que concibe una objetivo lejos de estar ligado al cine tanto convencional como independiente aunque mantiene esa chispa de interés que provoca el ritmo y flujo lo cual fue lo que cautivo mi atencion. La historia; dividida en varios fragmentos, trataba de una mujer la cual es habitante de otro planeta, ella trabaja para una compañía la cual se decide a observar la actividad en la Tierra aunque la civilización de donde proviene es mas incivilizada tecnológicamente que la Tierra. Después de un tiempo, la seleccionan como parte de una misión de ir a vivir en la Tierra. La historia se va desarrollando de modo en que ella decide no regresar a su planeta después de varios años. Me parece un método tanto efectivo como creativo y original de crear una obra de ciencia ficción.

Mientras escuchaba la narrativa de la historia y veia las imagenes que aparecían; en un cuadro fotos relacionadas a la historia y en otro cuadro(mas pequeño) imágenes generadas por computadora las cuales; relacionadas a la historia pero de una manera mas abstracta, casi estimulante; expresan la emoción o sentimiento de cada acontecimiento creando una relación mas directa con el espectador, desde mi punto de vista. Me pude imaginar como la historia podría haber cambiado de mil maneras e haberse ido en mil direcciones. Esto fue algo que me pareció interesante pues muchas veces cuando vamos a ver cine convencional, especialmente aquel que proviene de Hollywood sabemos que lo que vamos a ver es casi predecible, muchas veces también incluso con el cine independiente.

A pesar de que la historia tenia un cierto drama y tambien una tensión en construcción, tanto la voz del narrador como la composición de la imagen siempre me mantuvo en calma; no me sentí necesariamente aburrido pero tampoco preocupado por lo que fuese a pasar. Quizás por eso Manovich le dio el nombre de "Soft Cinema" o "Cine Suave."

Es interesante este tipo de lenguaje ya que no solo adquiere un sentido de probabilidades sino también incorpora a la maquina-la computadora y el programa que invierte las decisiones, ya no es el director el que esta dirigiendo la película o el escritor el que esta escribiendo la historia sino la historia se crea a través de las decisiones al azar que toma la maquina. Podría decirse que es casi como la vida misma, si uno toma una decisión; cambia todo y no hay vuelta atrás, así que siempre existe el "si hubiera." Esta es una manera muy interesante de implementar estudios teóricos y experimentales en campos tanto científicos como artísticos y nos alude a las probabilidades y las permutaciones o el I Ching, otros artistas han utilizado este tipo de experimentaciones antes como por ejemplo John Cage.

Lev Manovich nos trae una nueva forma de ver el cine y en mi opinion podría dar paso a mas medios de expresión artística como la creación de realidades virtuales en donde el espectador sea el protagonista de la propia obra dentro una realidad virtual que tenga tantas probabilidades como la vida misma.

Sobre Camille Utterback

-Comentario sobre Camille Utterback:

El trabajo de Camille Utterback me intereso bastante. Podría decir que es realmente el próximo paso o la trascendencia; incluso evolución de los trabajos que nos han aportado artistas como Gary Hill o Pipilotti Rist de los cuales escribí mis entradas anteriores.

Camille Utterback es una artista visual norteamericana. Su trabajo se concentra en los nuevos medios electrónicos que tienen que ver con la interacción directa del espectador con la pieza convirtiendo a cada momento en el que este interactua con la pieza en un momento unico. Proveniente de Indiana, Estados Unidos, la formación de Utterback se basa primeramente en la pintura la cual la lleva a experimentar con otros medios como el video y consecuentemente con la combinación de estas disciplinas mas el uso de la kinetica y el movimiento del cuerpo humano, creando así un medio de interacción directo entre el artista, la obra y el espectador. A mi modo de ver; este es una manera de crear una estetica diferente y original en el campo artistico sobre todo en una epoca en la cada vez mas hay una convergencia constante y solida con el mundo electrónico.

Todos sus trabajos son muy diferentes visualmente pero siempre tienen el mismo principio en el cual la proyección de la imagen se transforma mediante el movimiento del espectador que esta contemplando la obra(y moviendose). Un trabajo muy ejemplar de su obra es la pieza "Untitled 5"(2005) Lo interesante de esta pieza es que cuando uno de los espectadores se va deja una cierta linea la cual el próximo espectador modificará con su movimiento creando así; una especie de cuerpo de trabajo colectivo entre espectador tras espectador.

Otros trabajos suyos serian "Text Rain"(1999) o "LLuvia de Texto" en donde basicamente pedazos de texto van cayendo y dependiendo de la sombra proyectada de la persona viendo la obra, se van formado distintas oraciones dependiendo de las palabras que caen. De las series "Liquid Time"(2009) en donde Utterback filma distintas ciudades y calles en distintos dias, después los contrapone a traves de varias que forman conjuntos de las diferentes grabaciones, cuando el espectador se mueve enfrente de la proyección, cambian las distintas tiras de los diferentes dias creando una imagen de la misma calle con diferentes dimensiones compuestas por el movimiento del espectador. Un proyecto reciente "Span"(2012) consiste de una instalación dentro del fuerte bajo del puente Golden Gate en el puerto de San Francisco, California. Esta instalación consiste de unas cajas las cuales tienen mapas electrónicos de las costas de San Francisco y una linea que cambia la cual representa la costa a través de años con una data desde 1800 hasta el presente.

Creo que esta es una manera muy original de presentar un nuevo medio de arte ya que nos transporta de una manera casi automática a otras dimensiones las cuales no podríamos contemplar de otra manera, son pequeños detalles los cuales siempre están ahí pero no notamos en la vida cotidiana y Utterback manipula el medio electrónico para expresar esta visión de una manera sutil pero efectiva y directa.

Sobre Pipilotti Rist

-Comentario sobre Pipilotti Rist:

Pipilotti Rist es una artista visual de origen suizo que proviene de una generación de videoartistas posterior a artistas como Nam Jun Paik y poco después Bill Viola. Nacida en 1962, su campo de trabajo es sumamente basto y por lo que he notado en mi investigación, ha ido trascendiendo tanto en forma como concepto.

Podría decir que en los primeros trabajos que decidí explorar de ella note que se coloca a ella misma como un sujeto primario, quizás no proyectando necesariamente su personalidad y quizás tampoco su persona pero muy notablemente expresando sentimientos y emociones de una manera tanto directa como indirecta utilizando su cámara y su propio cuerpo como elementos primarios para desarrollar su lenguaje.

En el primer trabajo de Rist que observe; el cual se llama "Be Nice to Me"(Flatten 04) al poner la pantalla completa senti que la misma Rist estaba atrapada adentro de mi computadora tratando de entrar hacia mi dimensión, como si estuviera atrapada al otro lado de la pantalla y estuviera tratando salir. Rist esta embarrando su cara en el cristal mientras todo su maquillaje se vierte sobre este y vuelve a embarrar su cara en el mismo maquillaje. Realmente no pude desarrollar un pensamiento muy objetivo acerca de mi impresión pero lo pude relacionar quizás con algo que tuviese que ver con lo contrario a ver televisión, como una especie de "represión televisiva" vista de un modo adverso a lo que realmente se lee entre lineas cuando vemos la televisión convencional(comercial).

La segunda pieza de Rist la cual observe se llama "I'm Not the Girl Who Misses Much"(1986) en esta pieza vemos a la artista bailando freneticamente en el encuadre mientras repite "I'm not the girl who misses much" o "no soy la chica que se pierde de mucho" la frase es una variación de la primera linea de una canción de los Beatles. En la mayor parte del video la vemos fuera de foco con un vestido puesto en el cual parece estar mostrando los senos. El tiempo del video esta alterado a una alta velocidad al igual que el audio y en pocas partes del video la vemos en foco y a velocidad normal aunque siempre esta cantando y repitiendo esta frase con la melodía de la canción. De nuevo no pude tener una idea precisa de lo que Rist queria decir con esta pieza, mi interpretación fue que Rist es una joven que vive en su propia fantasia adolescente ya que las pocas veces que la vemos cantando a una velocidad normal parece estar deprimida o desguazada. Cuando canta en velocidad rápida la vemos con una especie de energía abrupta(casi maniaca) primero y luego decayendo y cansada poco a poco. Quizás una critica de la adolescencia que viven los jóvenes hoy en dia; de como no nos perdemos los hechos "importantes" transmitidos en la television comercial los cuales provienen de la media y la cultura pop, quizas por eso el uso alterno de esta linea de los Beatles. Después me entere de que esta pieza fue creada cuando Rist era estudiante de modo que quizás percibí una cierta rebelión hacia el sistema y hacia la institución misma aunque eso es solo una interpretación mia, también puedo suponer el otro lado de la moneda; que de esta pieza quizás tenga una influencia casi minimalista; Rist solo quiere que veamos lo que se ve, una estudiante de arte experimentando con el medio.

Los trabajos mas recientes de Rist se basan construcciones de juegos con la luz y el espacio; instalaciones en las cuales se proyectan imágenes construidas por ella. En mi modo de percibir sus trabajos mas recientes; su obra alude a lo femenino y a la visión de su realidad; su obra es ella misma. La respuesta de la interacción del publico es un factor importante-que percibe cada quien y de que manera lo logra? La transformación de un ambiente y de la persona en ese ambiente es quizás el mas posible objetivo de su obra. Nuevamente vemos a un artista que juega y experimenta con la forma creando una vez mas una pintura móvil el cual da paso a aquello que conocemos hoy en día como arte interactivo.

Sobre Primeros Videos de Gary Hill

-Comentario sobre primeros vídeos de Gary Hill:

Si podemos examinar a un artista en el campo del videoarte que realmente haya tanto desarrollado, como acentuado un lenguaje y que hasta el día actual; tenga un efecto tanto claro estéticamente como entretenido y efectivo para cierto publico amante del videoarte; este artista seria Gary Hill.

Gary Hill fue uno de los pioneros de este arte y realmente podemos notar una exploración y experimentación del medio en su trabajo en cuanto a la combinación de imagen y sonido entre otros aspectos. Los vídeos que mas me llamaron la atención fueron:

1."Elements"(1978)- Este video nos muestra una especie de imagen estática la cual cambia de forma con respecto al audio que esta siendo escuchado. Al cambiar el sonido parece que se crean formas y la textura de la imagen parece patrones repetidos con forma de grietas y sus respectivas sombras, creando tonos entre el gris y el negro. La manera en la que lo interprete fue como si esta pieza fuese una pintura de un paisaje la cual cambia con el sonido, en otras palabras una pintura tanto abstracta como paisajista la cual contiene movimiento. En el audio se logra distinguir una cierta voz pero sin poder tener noción de lo que dice. Como es característico de Hill el mezclar el sonido y la imagen de un modo en perfecta sincronización, creo que este video es muy representativo de su obra y para el momento en el que estuvo realizado; realmente rompe con muchos aspectos tanto visuales como estéticos.

2. "Mouthpiece"(1978)- En este video nuevamente tenemos el uso tanto de la imagen como del sonido aunque aquí tambien tenemos una sobre posición entre la imagen y el concepto que nos muestra esta pieza: Unos labios besando con una figura estilizada de unos labios la cual pasa por los labios de el personaje cada vez que este suelta un beso. Después de cierta cantidad de besos saca la lengua y escuchamos una especia de grito y la imagen que estaba sobre puesta la cual se mueve mas rápidamente que en la secuencia del beso anterior. Eso sucede repetidamente unas 3 o 4 veces. Aquí note desde mi punto de vista; no solo la cuestión de mostrar una obra que funcione estéticamente en su concepto a través de la imagen y el sonido sino también, cierta ironía comica que Hill nos transmite tanto por el hecho de llamar a la obra "Pieza de Boca" como en estar dando un beso y sacando la lengua con esta imagen sobre puesta. Es como si quisiera convertir a la boca en una pieza mecánica y el videoarte le da la posibilidad para convertir este experimento en esa idea justamente; el órgano humano como un aparato mecánico.

3. "Happenstance"(1983)- Esta fue la pieza que mas me gusto. Aqui no solo vemos una vez mas la conexión entre la imagen y el sonido sino también; una experimentación de acuerdo a la época de como utilizar otros medios a través de la gráfica electrónica en concordancia con la poesía y al mismo tiempo combinando con cierto aire espiritual. Gary Hill construye un poema y al mismo tiempo lo expresa en imágenes que primero parecen ser compuestas de humo y después se convierten en formas geométricas como un triángulo el cual se descompone en letras, estas letras se deforman y comienzan a formar un patrón de movimiento en ellas que va de mano con el audio; el cual es una especie de harmonía eterea. Esta harmonía se convierte en un canto casi robótico y después lo que parece ser una melodía de música electrónica la cual también incluye a Hill recitando un poema con cierto ritmo de beat. A través del video tenemos este tipo de imágenes en blanco y negro y audio que van transmutando de una manera muy ingeniosa; vemos algo que parece un pájaro, después un triángulo nuevamente y después un árbol, algo que parece una gran pirámide, y así sucesivamente. Este video trasciende de una manera tan natural que podría comparase con un mantra, una meditación y un experiencia psicodelica. Todo combinado de modo que quizás no sea para todo tipo de audiencia, pero a mi modo de verlo me parece entretenido y captura mi atención pues siento que el flujo con el cual se desarrolla tiene un buen ritmo y un orden tanto armonioso como correcto en su forma de manifestarse.

Esta es la pieza "Happenstance"(1983)

https://www.youtube.com/watch?v=AFXLkPAT6dg

En esta pieza, las imágenes son construidas en tiempo real con un sintetizador el cual no solo sincroniza la melodia sino tambien la imagen. Algo parecido me recuerda a lo que construyo Nam June Paik con su video sintetizador aunque este video fue hecho con el sintetizador Rutt Etra, construido por Steve Rutt y Bill Etra.


Regresando a los trabajos de Hill; podría añadir que realmente es alguien que estaba experimentando con la manifestación de lo visual a través del sonido y viceversa y otros casos hasta de lo auditivo con lo físico como es en el caso su pieza "Mediations"(1986) en la cual coloca arena sobre una bocina mientras recita un poema el cual es acerca de la voz, el sonido y en si el acto de poner arena sobre la bocina la cual se mueve con su voz manifestando así el sonido de una manera tanto física como visual.

En mi opinion personal; podría decir que el trabajo de Gary Hill tiene una fluidez bastante característica la cual perdura a través del tiempo gracias a su única manera de representar sus conceptos, no solo es una experimentación con el video sino con otros medios artísticos lo cual lo hace siempre mantener un lenguaje único en comparación con otros videoartistas los cuales han decidido trascender en su experimentación con el videoarte.

El Origen del Video-Segunda Parte

Marcel Duchamp y El Origen del Video:

El principal objetivo de la vanguardia se caracteriza por romper con todo aquello establecido anteriormente. En mi opinion; Marcel Duchamp es uno de los representantes mas notables de la vanguardia y uno de los artistas cuyas ideas hicieron evolucionar el modo en el concebimos el arte durante el Siglo 20.

Duchamp empieza sus primeras obras con un estilo post-impresionista, como Cézanne y despues se basa tambien en el impresionismo. Luego se caracteriza por formar parte del Cubismo y al mismo tiempo es de los principales artistas que aportaron nuevos conceptos tanto en el Dadaismo como en el Surrealismo. Pero si hay algo que caracteriza a Marcel Duchamp; es el rechazo mismo de el avant-garde; Duchamp se rehusa a seguir cualquier tipo de sistema artistico establecido, por esta razon Duchamp trabajo casi siempre mas con el Dada en vez de otras vanguardias ya que esta vanguardia es una especie de anti-arte. Duchamp nos explica que realmente no hay una razon por la cual hace las cosas, simplemente suceden. En este caso una de sus grandes aportaciones ha sido el ready-made en el cual; un objeto que no necesariamente es bello o feo, pierde su contexto y este es restablecido por la lectura estetica que el espectador le quiera dar. En este caso Duchamp simplemente firmaba objetos simples como su famosa pala de nieve llamada "En avance de un brazo roto"(1964) o su retrete "Fuente"(1917) el cual Duchamp firma como el nombre "R. Mutt." El arte de Duchamp parece siempre estar burlandose de nosotros pues nos demuestra que puede convertir cualquier cosa en arte, su estilo es tanto provocador de lo tradicional como ironico y satirico. Realmente provoca una un cambio permanente en mundo artístico porque nos enseña a ver el arte de una manera totalmente revolucionaria.

Creo que los conceptos que se piensan durante el origen del video tienen mucha referencia con los conceptos pensados y establecidos durante las vanguardias; especialmente en el caso del Dadaismo y con las ideas de Marcel Duchamp.

Las ideas y conceptos del Dadaismo tenian que ver con la espontaneidad y con la experimentación de distintos modos utilizando los medios de comunicación los cuales en esa época eran tales como panfletos informativos, periódicos, etc. El Dadaismo creaba panfletos en los cuales se mostraban un conjunto de imágenes, pinturas, dibujos y textos como poemas, pequeñas historias y se creaba una especie de collage, el fin de estos panfletos era burlarse de los sistemas impuestos y los dogmas del establecimiento. En el video-arte tambien tenemos una especie de collage pues tenemos el reciclaje de imágenes en movimiento tomadas de la televisión convencional pero presentadas de un modo distorsionado, y al igual que la intención de los panfletos del Dadaismo, en el inicio del video-arte tenemos una intención de crear "otra" televisión o una especie de anti-television o la televisión rebelde la cual pueda contrarrestar a la televisión convencional la cual es comercial y se basa en los intereses privados de las grandes corporaciones. También siento que el concepto de los ready-made de Duchamp vuelve a tomar lugar en el video-arte pues muchos de los vídeos que he visto son simples experimentaciones hechas con los primeros porta-packs y en estos vemos a personas simplemente queriendo aparecer en una pantalla, independientemente de lo que estén haciendo ya sea con un propósito artistico o no, estos vídeos acabaron convirtiendose en piezas de arte por el simple hecho de haber sido creados con una intención de experimentación y creo que Duchamp estaba haciendo lo mismo al haber pensado en el concepto de los ready-made.


Gary Hill: Primeras Selecciones. 

Sobre el video-artista Gary Hill no pude encontrar muchos video en YouTube aunque en su sitio web viene un historial de su trabajo y una descripción de cada uno de sus trabajos. Lo que mas puedo deducir del trabajo de Gary Hill es que utiliza mas el sonido que la imagen aunque estos dos tienen una correlación tanto estética como simbólica. Hill tiene un lenguaje muy definido en el cual combina la imagen con el sonido, tenemos lo que seria algo así como sonido textual a través de la imagen. Hill también incluye temas como la invacion del ser humano hacia la naturaleza y la destruccion de esta por la sociedad moderna.
En los trabajos que llegue a encontrar en YouTube, se puede ver este lenguaje de imagen-sonido muy claramente. Primero en "Black White Text" (1980) tenemos una voz que repite: "rectangulo" cada vez que un rectangulo se va apreciendo en la pantalla y va formando un tunel de rectangulos hacia el infinito hasta que este se distorsiona. Tambien en "Mediations"(1986) tenemos a la imagen de una bocina sonando y una voz que repite que la bocina tiene el volumen muy alto hasta que esta acaba recubierta de granos de arroz.
En si, no me llama tanto la atención el trabajo de Gary Hill aunque reconozco la originalidad y la innovación de experimentar con estos elementos durante esa época, sobre todo ingeniar un lenguaje tan rápido en un movimiento artístico emergente.


Sobre The Passing(1991) de Bill Viola:

-El Concepto:

Siento que el concepto de esta pieza es muy claro y esta presente durante todo el video, desde el principio hasta el final y el concepto en si; es la muerte. Basicamente en tanto la transición de imagenes como de sonido, lo que me transmite la combinación de estos es como una serie de memorias que pertenecen a alguien, estas vienen y van en una especie de atmosfera completamente eterea u onirica lo cual nos remite a un lugar entre lo fisico y lo inmaterial, la transición hacia otro mundo y en este casi es la transición de la vida hacia la muerte.

-La Idea:

Creo que la idea es tan clara como el concepto y Viola la construye de un modo bastante efectivo. Quizas las imagenes que vemos no están sincronizadas con la vida de una sola persona aunque podria ser que si, pero de todos modos la idea principal es que la pieza en si nos remita a un estado de transición.

-La Solución:

Viola es efectivo en mantener una cronología de principio a fin así que tenemos una narrativa que nos mantiene enganchados a través de la imagen y del sonido. No necesariamente necesita haber una narrativa como en el cine convencional ya que no se necesita de un dialogo o del uso de un guión que quiera narrar una historia como tal sino mas bien; la intención de la pieza es expresar un sentimiento de transición hacia un mundo inmaterial, a través de los recuerdos, pasando por la vida que uno ya vivio. En las imágenes de The Passing; tenemos en el principio a la cámara viajando por el cielo hasta llegar a abajo del agua; el rostro de una madre; el bebe recién nacido(esto es mas o menos en el principio); el niño que corre; las diferentes y distintas locaciones; los padres o los abuelos y finalmente en la ultima secuencia nos acercamos a un hombre en un ataúd lo cual nos esta mostrando que este es el fin de la transición el paso a este mundo. El video no tiene color y es en blanco y negro lo cual nos da una sensación de vacío pues ya no es la vida que estamos viviendo sino mas bien los recuerdos, en este caso grabados en video, Viola logra proyectar lo que es capaz de hacer una imagen en movimiento; inmortalizar la visión de una vida como es en verdad y al mismo tiempo no lo es pues realmente solamente son grabaciones en video, lo que hace que se sienta como si fuera la vida y-en este caso la muerte, es el lenguaje con el que Viola es capaz de mostrarnos estas imágenes.

-El Titulo de la Obra:

Creo que el titulo nos dice exactamente lo que la obra nos muestra; The Passing o traducido "El Paso." Viola básicamente nos esta describiendo el paso hacia otro mundo u otra dimensión y creo que es lo que las imágenes nos están tratando de decir, en si el titulo de "El Paso" simboliza la muerte como tal.

-Creo que tanto como la idea, el concepto y el titulo de esta obra se refieren a la muerte así como también; el deseo de Viola de expresar esta transición o el paso de la vida hacia la muerte aunque finalmente esa es mi opinión personal ya que eso fue lo que percibí de la obra.

El Origen del Video-Primera Parte

Sobre el Origen del Video y el Minimalismo:

El minimalismo es un termino para denominar a un movimiento artistico el cual surge en los años sesentas aunque fue utilizado por primera vez por David Burlyuk en 1929 en la galería Dudensing de Nueva York, Burlyuk nos explica el que el minimalismo deriva de el uso mínimo de intención en una obra artística, entonces si una pintura es minimalista es porque el sujeto es la pintura en si misma. La pintura minimalista incluye a algunos pintores del expresionismo abstracto como Ad Reinhardt, Barnett Newman o Kazimir Malevich.

Marcel Duchamp es una figura importante en el minimalismo pues en sus famosos objetos ready-made; reduce un objeto convencional a convertirlo en una obra de arte, dandole otro significado y otra función, el objeto ya no sirve a su proposito si no mas bien; genera una experiencia estética. 

La escultura se tambien puede ser minimalista, utilizando formas geométricas simples en tercera dimension como las esculturas de LeWitt o Carl Ándre.

En si, el minimalismo se caracteriza por estilos con una austeridad impersonal; es simple, sencilla, repetitiva y geometrica. En la musica por ejemplo; podríamos incluir al compositor Philip Glass o Terry Riley.

Acerca del origen del video; yo creo que el minimalismo se podría presentar tanto en la música la cual es repetitiva o aveces muy simple y silenciosa o simplemente a veces no hay música y hay ruido, esto me remite al concepto con el cual trabaja John Cage pues según este; el silencio o el ruido también podrían traducirse en música.

La imagen y el tiempo en el video es un gran factor minimalista pues se utilizan los minimos elementos para expresar los sentimientos íntimos o simplemente no expresar. En el video-arte nos encontramos con varias características minimalistas, especialmente cuando tenemos a personas simplemente experimentando con cualquier cosa; hablando, cantando, grabando a la mascota, explicando de una manera semiotica para que se utilizan los artículos de la cocina como es el caso de Martha Rosler en su video "Semiotics of the Kitchen"(1975). Tambien nos encontramos con instalaciones en las que se utilizan monitores en los cuales se distorsiona la imagen o se altera la imagen de la television convencional, esto es muy característico del trabajo de Nam June Paik, pionero del video-arte. El reciclar o alterar una transmisión televisiva es en si reducirla a lo que ya no es, se transforma en algo que tiene una minima importancia y no la importancia que se le da convencionalmente.

En palabras del video-artista Peter Campus refiriendo a su arte: "La psicologia, el tiempo, el espacio y la percepción son los materiales de la obra." Tambien sobre el tiempo nos describe que para cada el tiempo es diferente; no el tiempo mecánico sino el tiempo que cada video trata de retratar y la manera en el que este se manipula, en si esto nos esta objetando que el tiempo es reducido y así como el espacio, la imagen se transforma en una expresión minima sobre una emoción profunda.

En si creo que la concepción mínima de elementos fue necesaria para dar un origen al video-arte.

-Sobre el Origen del Video y el Pop-Art:

El Pop-Art surge durante los años cincuenta en Londres. Este se vuelve un movimiento internacional en pintura, escultura y grabado. El primero en usar este termino fue el artista Lawrence Alloway en 1958; el termino fue usado para denominar los aspectos bajos del arte popular hacia las bellas artes y las diferencias y combinaciones entre estas dos. En si el Pop-Art se basa mas en el diseño y la simplicidad pero también en lo llamativo y lo popular, pues de aquí se genera el termino. El Popular-Art o Pop-Art se dirige a la audiencias jóvenes, utiliza materiales de bajo costo para que su producción sea masiva, se deja llevar por el glamour y el gran negocio. Este movimiento también se caracteriza por el del diseño comercial las ilustraciones de ciencia ficcion y el diseño automovilístico asi como también; las imagines pin-ups y referencias al erotismo, etc.

En Estados Unidos, el Pop-Art complementado por varios artistas; los primeros fueron Robert Rauschenberg y Jasper Johns. Rauschenberg comienza a pintar Pop-Art derivando tambien del expresionismo abstracto mientras Johns se basa en retratar objetos convencionales y cambiar el contexto a traves de la pintura; un ejemplo son sus famosas pinturas de la bandera americana.

Surgen entonces varios artistas representantes del Pop-Art; entre ellos Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Andy Warhol, entre otros.

Muchos de los representantes de este movimiento también produjeron video-arte. Como ejemplo tenemos a uno de los notables mas representantes del Pop-Art; Andy Warhol. Este ya había sido influido por video-artistas como Nam June Paik. Warhol produjo numerosos cortometrajes y unos pocos largometrajes. Entre los mas populares están: "Empire"(1965) o "Sleep"(1963).

En si se podría decir que el video-arte definitivamente se alimento tanto del Minimalismo como del Pop-Art pues estos surgen casi durante el mismo tiempo. Creo que también el expresionismo abstracto tuvo que ver con el origen del video tanto en el contexto de la simplicidad minimalista como el acto de arte en acción; la espontaneidad y no darle tanta importancia al resultado, tambien tengo que añadir la documentación ya que por ejemplo, a través de la fotografía; Jackson Pollock era documentado por Hans Namuth. Muchos video-artistas al crear sus vídeos; están documentando un acto básicamente, convencional de sus vidas diarias o de otras acciones, etc.

-Andy Warhol:

Desde mi punto mi vista nunca disfrute el arte de Andy Warhol ni tampoco el Pop-Art, simplemente no me llama la atención aunque ahora que he explorado su biografía, es interesante ver en que contexto trabaja y cuales eran sus verdaderos propósitos.

Andy Warhol definitivamente tuvo multiples profesiones, fue tanto un artista como un diseñador, escritor y director de cine. Su trabajo alude a al diseño y al mundo corporativo y comercial- en otras palabras es arte para el capitalismo. Tanto sus retratos de celebridades manufacturados con colores complementarios echos a traves de serigrafia como sus cuadros o esculturas de latas Cambell. Lo que importa es la manufactura en masa y la des-contextualizacion del objeto o imagen retratado; ya no es una lata de Cambell sino una representación del mundo capital, por esta razón hizo varias latas repetidas aunque con diferentes ingredientes. Se podría decir que su arte es incluso kitsch pues recicla obras de arte baratas y las modifica de ciertas maneras bastante sencillas pues se trata de reducir el arte a los niveles mas bajos y volver a leer la obra de arte con un solo propósito; producir lo mas que se pueda y venderlo a altos precios. Esto se puede ver en varias de sus obras(casi en todas) pues lo que el hace es modificar y reproducir lo que ya esta hecho. En el caso de las famosas latas Cambell, lo interesante es que cada una de ellas esta pintada a mano y al óleo, algo que parece bastante cansado pero creado con bastante talento ya que se ve como un trabajo muy difícil de realizar pues es casi mecánico y al mismo tiempo no lo es. La misma sobreproducción podemos observar en "Daisy Waterfall(Rain Machine)" de 1979 y otras obras.

Aunque el Pop-Art parece ser una movimiento que alude a lo material y al capitalismo, creo que en si tambien esta expresando lo que el capitalismo provoca; la creación de falsos rostros(como Warhol los retrataba en multiples colores; yo podría deducir desde mi punto de vista; que una celebridad o un politico tiene multiples rostros) las mentiras y la corrupción de parte de instituciones gubernamentales y el poder de control a traves de la television así como también; la sobre producción material; la falsa ilusión del sueño americano. Lo que Warhol hace es exponer estos problemas de un modo indirecto y unipersonal aunque lo que importa realmente de esta arte es que tenga el mismo propósito que lo que representa: ser llamativo y vender

En 1965, Warhol anuncia si intención de que dejara la pintura para comenzar a experimentar con el video y las imagenes en movimiento. Es aquí donde realmente empieza a producir una gran cantidad de cortometrajes y largometrajes. Desde mi punto de vista; algunos son tanto sencillos como aburridos y otros atrevidos e inmorales, realmente a mi no me llaman la atención pues no es de mi gusto aunque reconozco que definitivamente se pude decir que es arte experimental y alternativo.

Ensayo sobre lectura "Alter-Video"

Alejandro Arjuna Herrera

Profesor Andrea Di Castro

Imágenes en Movimiento

6/3/2014

                                    Sobre la lectura “Alter-Video” por Eugeni Bonet

                        Que tan lejos hemos llegado en la evolución de las tecnologías de comunicación? y como estas se han desarrollado al punto de poder compartir un video casi instantáneamente desde cualquier ubicación en el planeta hacia una gran cantidad de personas alrededor del mundo? La tecnología en si; ha evolucionado a un paso extremadamente rápido y exponencial durante los últimos 30 años y sigue evolucionando a un ritmo cada vez mas rápido. En el campo del video; hoy prácticamente podemos lograr lo que hace 30 años costo tanto energía como razonamiento tecnológico y creativo; así como también los esfuerzos de varios artistas para poder lograr transmitir un video a una amplia gama de personas alrededor del mundo lo cual en esa época(los años 60) les tomo meses y hasta años para lograr. Hoy podemos lograr esto en quizás solo 5 segundos. Pero, todo ese esfuerzo no fue en vano ya que debido a estos artistas experimentadores los cuales contribuyeron a la evolución del video y  a aquellos que mejoraron la transmisión de imágenes para poder comunicarnos; hoy en día contamos con las herramientas necesarias para poder expresarnos a través de distintos medios y de un modo nunca antes visto.

            Este ensayo de Eugeni Bonet nos describe detalladamente la historia de las telecomunicaciones: como surgieron los primeros experimentos, las primeras transmisiones, los primeros canales, aquellas primeras compañías que surgieron para transmitir las primeras programaciones de televisión y su comercialización así como también: el inicio del video; los primeros aparatos análogos y digitales que surgieron para poder expresarse libremente y, finalmente; el origen del video-alternativo y ha donde se ha dirigido.

            Los primeros experimentos televisivos empiezan a ocurrir en los años veintes y treintas y finalmente tenemos las primeras transmisiones durante los años cincuentas. Primeramente, la televisión sirve solamente a ciertos propósitos comerciales, sociales, políticos y de entretenimiento. La televisión comienza a funcionar a base de transmisiones directas y a veces en vivo aunque estas tardaban casi dos horas en transmitirse de un lugar a otro. Las principales transmisiones  se componen de noticias, espectáculos, deportes o programas previamente elaborados y este era un medio fuertemente unidireccional de distribución así como también; un medio de información de servicio publico al servicio de intereses privados; en palabras de Bonet “se convierte en una industria e instrumento de poder, la mas poderosa industria de la conciencia”.

            El filosofo suizo e historiador de arte, René Berger divide a la televisión en múltiples “jerarquías” por así decirlo: la mega-televisión; utiliza transmisiones por medio de satélites de telecomunicación hacia áreas extensas, por ejemplo una transmisión simultanea a diversos países. La macro-televisión es mas convencional; estatal y monopolista o privada(comercial) y abarca a todo el publico potencial de un país, estado, región o ciudad. La meso-televisión; los canales de un sistema de televisión de gestión comunitaria o de un cierto grado de participación publica efectiva; esta se dirige a una comunidad determinada geográficamente y se distingue por las afinidades de esta cierta comunidad. Finalmente la micro-televisión; se compone por un sistema de circuitos cerrados y se compone de videos(en pequeño formato) y consiste de usos informativos, de comunicación, artísticos, experimentales, científicos, documental, didáctico, educativo, terapéutico, etc. Este se dirige a grupos o comunidades mas o menos reducidos y mas o menos especializados.

Aquí tenemos una gran diferencia entre la televisión comercial y aquella que es artística y es aquí donde sucede una irrupción: el video de pequeño formato. Esto fue acogido como la “otra” televisión.

La irrupción del pequeño formato hace que sucedan una serie de cambios los cuales generan una serie de artistas que están decididos a experimentar con este nuevo medio. Durante esta época(los sesentas) surgen grupos como Ant Farm o Fluxus los cuales siguen a los movimientos radicales y experimentan con distintos medios artísticos. Una actividad notable y frecuente de estos grupos eran los happenings en los cuales; varias personas se juntaban en un lugar al azar y muchas veces sin una intención pero con el fin de crear arte en acción. Muchos artistas de estos movimientos estaban en un estado de negación contra el sistema, el centralismo, el inmovilismo y el control informativo. En el momento en el que estos artistas tienen acceso al formato pequeño; deciden utilizarlo como un medio para combatir directa e indirectamente a la televisión; esto se convierte en el video alternativo.  Mas que un movimiento; este grupo de artistas no compone un grupo homogéneo sino mas bien una reunión de artistas de diferentes bases que trabajaban individualmente y a veces colaboraban creando una coordinación entre ellos pero manteniendo una heterogeneidad.

Básicamente el video y la televisión se encuentran en una confrontación aunque al mismo tiempo no se puede descartar al video de la televisión; mas bien nos referimos a lo que es el uso individual del video con un propósito tanto artístico como político y social. Por esta razón, no es ninguna coincidencia que esto ocurra durante los años sesentas, es aquí cuando surge el Video-Arte que tiene una total relación al video. Este también cuenta con el video comunitario el cual transmite una cierta información. Bonet también nos habla del arte-periodismo el cual se traduce a ver el arte como un tipo de comunicación. Hay distintos tipos de comunicación: comunicación artística y comunicación informativa y periodística; cada uno de estos en si como un oficio diferente aunque no necesariamente se oponen, pueden formar parte de la practica de un mismo individuo o de un grupo especifico.

            El video se convierte en un medio que no necesariamente es arte pero es un medio que puede ser utilizado para crear un producto artístico. Los primeros experimentos de video-arte comienzan en Estados Unidos y en Europa durante los años sesenta en donde el arte conceptual es lo que predomina. A partir de la comercialización del “porta-pack” de Sony; surgen los pioneros del video-arte como Nam Jun Paik, Wolf Vostell, Marshall Macluhan, Aldo Tambellini, entre otros. Estos son influidos por artistas de la vanguardia como Marcel Duchamp y conceptos como el diseño, la escuela del Bahaus, las nociones de juego y el anti-arte; en parte el video-arte trata de recuperar la esencia del movimiento Dada. Mas tarde se manifiesta en movimientos artísticos como el Pop Art; Andy Warhol también decide hacer sus propias contribuciones al video-arte. Comienzan las video-instalaciones y el video-performance; el uso de múltiples monitores con imágenes manipuladas, tomadas de la televisión normal para re-contextualizar el mensaje con un propósito artístico así como también; la participación del espectador en el video, las proyecciones en objetos o superficies, etc.

            Es curioso que al principio; el video-arte comienza con un gran auge aunque muchos de los trabajos son simples experimentaciones sin ningún propósito como fin. Se forman varios grupos de video-arte y los trabajos se comienzan a exhibir en galerías, museos e instituciones como universidades, entre otros aunque en si la venta de los video tapes no tiene mucho éxito. En Estados Unidos, los primeros departamentos de experimentación con video son financiados por fundaciones como la fundación Rockefeller que después; decide cortar los fondos pues a pesar de que el video-arte llega a llenar las expectativas de un publico mínimo; las ideas y las intenciones que intentan transferir son demasiado radicales o aburridas para el publico de la macro-televisión.

            Poco a poco el video-arte se va disolviendo a través de los años aunque no completamente; se mantiene como parte del mundo artístico y sobre todo como un tipo de arte que siempre estará relacionado con la experimentación y la espontaneidad. Sobre todo existe la persistencia de que siga existiendo y siga siendo fomentado a nuevas generaciones. A pesar de ser esta lectura de los años setentas; Bonet nos describe detalladamente como el video-arte se a disuelto y como sigue perdurando y nos deja con la noción de que el inicio de un nuevo video-arte esta en el estado de dar los primeros pasos a algo mas grande, a fomentar aquellos restos que han quedado para dar vida a nuevos medios de comunicación artística a través del video.

Es curioso que Bonet haya mencionado este concepto que tiene en mente sobre el video-arte realmente dando sus “sus primeros pasos” pues, como podríamos denominar a la cantidad de videos que existen después del nacimiento del sistema de comunicación mas efectivo con el que contamos hoy en día: el Internet. Como podriamos denominar a todos esos videos en YouTube o Vimeo? entre otros sitios creados específicamente para la reproducion de videos. Hoy en día existen tanto las herramientas como los medios para poder crear video-arte a niveles que los video-artistas de los años sesentas y setentas nunca imaginaron. A mi modo personal de ver; Los medios digitales de expresión artística; sobre todo en video, son tan extensos y complejos que si es posible experimentar y crear de una manera tanto profesional como genuina pero se ha perdido el verdadero sentido de espontaneidad y creación que empezó con el video-arte en los años sesentas, sobre todo la única opción de utilizar lo que se tenga al alcance tecnológico para crear video-arte y esa visión de cambiar el modo en el vemos la televisión convencional pues aunque existan medios de comunicación alternativos como el Internet y YouTube; cada vez son mas las propuestas de los gobiernos y agencias privadas por aplicar leyes de censura y limitar la información en los medios . Aun así, herramientas como After Effects entre otros programas de edición no hubiesen podido haber sido visualizadas o concedidas sin cierta influencia del video-arte. La televisión, el video y sus diferentes ramas transformaron a la imagen en movimiento y finalmente en conclusión podríamos decir que el video-alternativo siempre será una rama de la imagen movimiento que sigue presente de cierta manera y en una evolución constante.

Sobre D.W. Griffith

-Comentario sobre D.W. Griffith:

David Wark Griffith fue uno de los grandes innovadores del uso de las imagenes en movimiento y del Cine; Utilizando grandes producciones y elencos, actuaciones bien logradas y ángulos de cámara que lograran captar la dramatización y efectividad de la escena asi como también; detalladas escenografías, cambios de tomas y planos para crear una narrativa fluida y sobre todo un lenguaje propio. Griffith coloreaba la película dependiendo de la escena; como es en el caso de "Intolerancia"(1916) para crear una sensación o sentimiento de ambiente. Esto todavia es usado hoy en dia por muchos directores de cine y es definitivamente una efectiva herramienta para crear el ambiente.

A diferencia de pioneros del cine como Georges Mélies; el cual creaban grandes escenarios para narrar una sola escena a traves de un solo plano, Griffith comenzó a crear saltos de planos; por ejemplo desde un plano de campo largo en donde en el centro se encontraba el personaje central, saltaba a un plano de campo medio el cual se concentraba en este personaje. En su epoca, el publico no estaba acostumbrado a estos cambios tan abruptos entre planos por lo que fácilmente se confundían y no entendían lo que estaba pasando en la pantalla. Hoy en día, no podríamos sentarnos a disfrutar una película sin este tipo de edición pues esto es lo que separa lo teatral del cine, ya que en el teatro solo percibimos lo que esta pasando desde un ángulo y el cine nos permite tener una concepción mucho mas clara sobre lo que esta pasando en la historia y de este modo podemos observar todos los detalles. En el lenguaje de Griffith; la narrativa de la historia realmente se desenvuelve de una manera en la que, por mas larga que sea la película, es efectiva en capturar nuestra atención.

Los temas de Griffith son tanto interesantes como controversiales. En "El Nacimiento de una Nacion"(1915) Griffith glorifica al grupo del Ku Kux Klan; los cuales se caracterizan por organizar ceremonias secretas en donde glorifican al hombre blanco caucásico y degradan al hombre negro-africano; en otras palabras utilizan el racismo y promueven la esclavitud y la degradación del africano-americano. Esto es probablemente influencia de su padre el cual fue un oficial que pertenecio al ejercito de los confederados durante la Guerra Civil Americana aunque no puedo estar seguro pues esta es mi opinión. En realidad; la historia se baso en la novela "The Clansmen" de Thomas Dixon. Cuando "El Nacimiento de una Nación" fue estrenada de inmediato se convirtió en un exito comercial aunque creó mucha controversia e incito a la comunidad africano-americana a protestar y rebelarse de distintas maneras. La película definitivamente es efectiva en captar la atención ya que reconstruye a la guerra civil de una manera única para esos tiempos ya que la producción y la escenografía son bastante efectivos. Utiliza muy bien planos de campos largos bien abiertos,  ángulos efectivos de la cámara y el uso de los extras es bastante efectivo ya que en la escena de la batalla y los jinetes cabalgando, a través de la edición recicla a los extras creando la ilusión de que el ejercito esta compuesto de miles de jinetes cuando en realidad son solo unos cuantos.
En contraste a "El Nacimiento de una Nación"; el largometraje que le siguió a este fue "Intolerancia" en donde nos muestra 4 historias intercaladas de distintos tiempos históricos que tienen que ver con la intolerancia así como también, con la desigualdad y la injusticia. Definitivamente es un gran cambio después de su largometraje anterior pues Griffith parece querer transmitir un mensaje totalmente contrario. Esto quizás es un mensaje a aquellos críticos los cuales querían reformar las leyes y protestaban por censurar o prohibir "El Nacimiento de una Nación." En contraste a este; "Intolerancia" alude a la hermandad y a la union.
La produccion y la escenografia son nuevamente bastante efectivos ya que utiliza a varios extras, los planos y sus respectivos cambios de campo hacen que la narrativa fluya de una manera congruente y nuevamente tenemos la colorizacion de la imagen para darnos un entendimiento del ambiente.

-Conclusion: 

D.W. Griffith definitivamente contribuyo al desarrollo propio de un lenguaje cinematografico sin el cual muchas de las películas que vemos hoy en día, no hubiesen sido posibles. A pesar de que las películas eran silenciosas en esa época, el uso de una buena banda sonora creada con una orquestra y el uso de texto entre las tomas; hace que la película tenga una narración con fluidez. Añadiendo el uso de producción bien utilizada; tanto en los elencos como en la escenografía y la edición, el crear un guión que incluyera desde un desenlace hasta un clímax y un final;  Griffith logra desarrollar este lenguaje el cual demuestra una narrativa efectiva que captura la atencion del publico y creo que Griffith exploto estos componentes al máximo dejando un legado que transformo al cine para siempre.

Sobre "La Historia de Lisboa" de Wim Wenders

-Comentario sobre "La Historia de Lisboa" de Wim Wenders:

Esta película del director alemán Wim Wenders me pareció tanto interesante como entretenida; en este caso tenemos la historia de un sonidista de cine; Philiph Winter. Winter es llamado a viajar a la ciudad de Lisboa, en Portugal por su amigo director de cine llamado Friedrich Monroe, quien esta terminando una pelicula en blanco y negro rodada con una camara antigua como la que utilizo Dziga Vertov en su largometraje de 1929 "El Hombre de la Camara." Cuando Winter llega a Lisboa, se alberga en el edificio donde se suponia que se iva a encontrar con Monroe, el cual no aparece hasta 3 semanas despues en las cuales Winter, se ha dedicado a recorrer la ciudad y grabar los sonidos para la pelicula de Monroe. Winter se encuentra con los musicos Madredeus, los cuales estan grabando y produciendo la banda sonora para la pelicula de Monroe y ellos tampoco tienen una pista de donde este se pueda encontrar. La necesidad de Winter por permanecer en Lisboa a pesar de que Monroe no ha aparecido, surge de la atraccion que se desarrolla por el ambiente en el que suditamente se rodea; la misteriosa ciudad de Lisboa, la cual Wenders proyecta casi de un modo onirico, la atractiva cantante de Madredeus; Teresa. Los niños curiosos que siempre estan grabando a Winter y observando su trabajo y las imagenes que Monroe habia dejado atras; las calles, las personas, la ciudad en si misma. Un dia mientras Winter esta tomando un cafe y grabando el sonido de las calles; oye la voz de este y lo encuentra detras de el, Monroe narrando su vision y su realidad. Lo comienza a seguir y este llega a un automovil azul donde Monroe parece estar residiendo continuamente, grabando la ciudad pero alegando que ha dejado su proyecto atras. Al final Winter lo convence de terminar su pelicula.

A traves de toda la pelicula note que me encontraba con el punto central de la historia continuamente, este siendo en si el sonido. El sonido estuvo presente a traves de toda la pelicula, desde el radio en la carretera al principio, el mosquito que molestaba a Winters antes de que este se fuera a dormir, el sonido de las calles; las personas, los vehiculos(autos, trenes, etc) las palomas, los niños jugando, asi como tambien, la magnifica banda sonora producida por los mismos musicos Madredeus, actuando como ellos mismos.

Si bien recuerdo, en el cuarto de Monroe donde Winters reside, escrito en la pared encontramos algo asi como: "Ojalad pudiera ver el mundo como todas las personas al mismo tiempo." Esto me recuerda mucho a la idea principal de Dziga Vertov sobre "El Hombre de la Camara" pues estamos viendo la realidad como es; una documentacion de la era y de los diferentes aspectos que nos rodean de la vida cotidiana. A esto, hace alucion el director Monroe cuando se encuentra con Winters explicandole que; lo que el tenia en mente es grabar la ciudad como realmente es y libre como Dziga Vertov, Monroe describe que la imagen cuenta con una inocencia pura hasta que es mirada por el espectador, cuando esto pasa; el momento en el que se el que tomo la imagen entre la imagen y el espectador, desaparece y cuando esto pasa la imagen muere porque deja de ser pura. Monroe explica a Winter que ha estado documentando la ciudad para no grabarla como el quiere que se vea sino mas bien como es la ciudad en si misma y por esta razon, conserva todas las cintas que ha rodado para futuras generaciones. Pareciera que los niños que siempre estan grabando y los cuales se apegan a Winter desde que este llega a Lisboa estan trabajando para Monroe pues uno de los niños, el mas misterioso y el cual siempre se aparece y desaparece ante los ojos de Winter; siempre lleva una camara escondida en una caja dentro de una bolsa y parece siempre estar grabando o siguiendo a Winter. Al final pareciera que este niño es el asistente principal de Monroe.

-Conclusion:

A mi modo de ver; Wenders nos cuenta la historia de alguien que se pierde en una ciudad y disfruta de su trabajo encontrandose a si mismo, pues en mi experiencia, el viajar a lugares desconosidos e inesperados y sobre todo solo, en donde nos encontramos con nuevos paisajes, nuevas personas, colores, olores y sonidos; siempre nos provoca una chispa de inspiracion para seguir adelante con lo que nos motiva. Esto sucede con ambos personajes principales en la pelicula; Winter tratando de encontrar a su amigo Monroe y explorando la ciudad a traves de los sonidos, utiliza el material el cual Monroe habia abandonado y experimenta la ciudad a traves de sus grabaciones y tambien; creando los efectos de diferentes sonidos de esta. Una parte que me parecio muy interesante aunque apenas entendi pues estaba en portuges, fue cuando uno de los personajes; un hombre ya de edad, esta siendo grabado por Winter, este personaje empieza describir algo sobre la imagen y como la imagen no perdura sino lo unico que perdura es la memoria, explica que  uno quiere vivir por siempre pero no somos perdurables y el capturar la imagen en movimiento como en el cine, es capturar la imagen como la queremos ver y mejor va a perdurar la memoria, el recuerdo de esa realidad.

Definitivamente es una pelicula que dramaticamente es tanto poetica como comica. Esto es muy tipico en las peliculas de Wim Wenders aunque aqui une esas dos cualidades. Por ejemplo en "The Wings of Desire"(1987) observamos un lenguaje muy poetico y despues "Faraway, So Close!"(1993) mantiene ese lenguaje poetico aunque tambien comico.

Sobre "El Hombre de la Camara" de Dziga Vertov

-Comentario sobre "El Hombre de la Camara" de Dziga Vertov:

    Este largometraje de Dziga Vertov producido en 1929, es en mi opinión; uno de los primeros documentales el cual retrataba a la sociedad tal cual como era en esa epoca. Vertov nos muestra una documentación de la época en la cual muestra a las personas, el trabajo, la ciudad, el campo, la tecnología, en este caso; las fabricas y la producción en masa de esa época. También muestra algunos casos especiales como el nacimiento de una persona, el ojo en la cámara o la cámara en el ojo, el mismo fotógrafo documentando, etc.

    Se puede notar que en el trabajo de Vertov; hay una obsesión por documentar todo sobre el tiempo y la vida cotidiana; la Union Soviética la cual se encontraba en su auge mas alto. Este tipo de documentación se separa de el teatro y de la literatura aunque aun así mantiene una narrativa.

   "El Hombre de la Camara" nos muestra tomas y planos que contienen experimentos fotográficos como dobles exposiciones, pantallas divididas, velocidad aumentada, close-ups extremos(como la cámara en el ojo y el ojo en la cámara) diferentes puntos de vista y planos en los cuales nos encontramos arriba de un edificio o arriba de un tren, entre muchas otras tomas.

     La banda sonora(de la version la cual vi) concuerda con las imagenes que aparecen en el largometraje, el ritmo de la musica se sincroniza con el movimiento de la maquina creando la ilusión de sonido con la imagen por ejemplo, en la parte en la cual las maquinas de las fabricas están manufacturando los productos, se sincronizan los tambores de la orquestra con estos movimientos.

    Este documental, el cual seria pionero del genero documental actual; me remite a las películas del director y fotografo Ron Fricke. Este utiliza diversos time lapses, tomas lentas y rápidas, planos con campos abiertos, retratos, ciudades, etc. Su objetivo ha sido mostrar la sociedad y el mundo actual, la vida espiritual, y otros temas a traves de una película la cual no necesita dialogos o una narrativa continua así como tambien la banda sonora al ritmo de la imagen; como es el caso de el "Hombre de la Camara" de Vertov.

    Una de las imágenes que mas me llamo la atención fue la documentación de el bebe naciendo pues en mi opinión; posiblemente es el primer nacimiento documentado. Siento que la documentación de imágenes reales, en si; situaciones, personas, ciudades, sociedades; casos reales y la vida cotidiana como realmente es un ejercicio el cual es sumamente importante pues es importante vernos a nosotros mismos en el tiempo y como hemos progresado en el tiempo.

 
         

Sobre "Metropolis" de Fritz Lang.

-Comentario sobre “Metrópolis” de Fritz Lang:

Este primer largometraje dirigido y producido por el director alemán Fritz Lang en 1927 es en mi opinión; Una obra de arte la cual proyecta una visión increíblemente futurista, para el tiempo en el que fue creado. Basada en el Siglo XXI; definitivamente consiste de varios elementos con referencias del movimiento Futurista ya que alude a la creación de la maquina y a una sociedad absolutista aunque Fritz Lang, contribuyo al expresionismo alemán. En este largometraje también hay referencias esotéricas como los pentagramas que aparecen en las puertas del laboratorio del científico así como también, cuenta con un cierto aire que me remite a la escuela de arte y diseño; Bahaus. El contexto de la película también me remite a novelas como “Un Mundo Feliz” de Aldous Huxley o “1984” de George Orwell ya que nos encontramos con una sociedad utópica en la cual; los personajes privilegiados o elites de esta cierta sociedad; viven en una especie de jardín del Edén mientras la clase obrera trabajadora reside debajo de la gran ciudad trabajando continuamente sin descanso alguno.

Hay varias observaciones las cuales hice y las cuales me llamaron la atención sobre el cortometraje, no podría decir que fueron colocadas ahí con una intención o no, pero sin duda; me remiten a ciertas teorías de conspiración que he conocido, estas hablan de sociedades secretas o entidades antiguas y en este caso la entidad Moloch; el antiguo dios cartaginés al cual le eran sacrificados bebes y el cual es supuestamente alabado por miembros del Club Bohemio; club de multimillonarios estadounidenses; aparece cuando los trabajadores pierden el control de las maquinas subterráneas para torturarlos o tragárselos.

También me llamo la atención el hecho de que el hijo del supuesto jefe de la ciudad se rebela contra su padre y contra el “sistema” de la ciudad cuando se enamora de María, la cual es una mujer que infiltra en los altos niveles de esta sociedad al lado de todos los hijos de los obreros. Este personaje María me remite mucho a la virgen María y lo curioso es como luego es substituida por la maquina y provoca una rebelión entre los trabajadores. Me hace pensar en la manipulación de la política y la sociedad a través de la religión.

Finalmente creo que este fue un largometraje que innovo el cine y del cual surgió la rama de ciencia ficción en el cine después de Georges Mélies. El escenario mostrando características art noveu proyecta al presente de la época el cual trata de representar o proyectar una visión del futuro. Hay planos fijos, close ups y una continuidad fluida entre texto e imágenes.

Lo Pre-Cinetmatográfico

Sobre lo Pre-Cinematográfico:

Después de los descubrimientos de Joseph Plateau sobre la persistencia retiniana y el nacimiento de la imagen en movimiento gracias a los artefactos perfeccionados y a los experimentos realizados por Muybridge y Marey; comienzan a surgir otros creadores los cuales comienzan a perfeccionar el arte de la imagen en movimiento. El americano de origen frances William Kennedy se une al inventor y comerciante americano Thomas Edison y en 1891 desarrollan y patentan el artefacto conocido como Kinetógrafo el cual funciona como la primer cámara desarrollada para capturar imagenes en movimiento en locaciones como casas o lugares techados. Una vez rebeladas las películas; servirían para ser vistas en otro artefacto: el Kinetoscopio, manufacturado y patentado tambien por Edison ese mismo año.

Este artefacto no funcionaba precisamente como un projector de la imagen en movimiento sino mas bien se miraba a la imagen en movimiento individualmente a traves de un visor integrado el cual  contaba con un obturador integrado que abria y cerraba a alta velocidad utilizando el provecho de la persistencia retiniana para que en la imagen; se creara la ilusión de una imagen continua y en movimiento. La imagen en movimiento consistia de una cinta celuloide perforada de ambos extremos; en esta estaban expuestas varias imagenes de secuencias de personas u objetos en movimiento, al rotar la cinta en el Kinetoscopio con una palanca giratoria se observa en el visor la imagen en movimiento. Edison ya habia visitado a Muybridge y a Marey anteriormente los cuales contribuyeron al desarrollo de este invento.
Algunos de los primero cortometrajes de lo pre-cinematografico son atribuidos a Edison, entre ellas se encuentran los Bailes Serpentinos; en donde Edison comienza a experimentar con color al colorear la película. Otros ejemplos de los primeros experimentos de Edison son; "el Beso" en donde una pareja se habla y se besa así como también otros ejemplos de personas en movimiento los cuales fueron de gran impacto al ser proyectadas pues esto crea una nueva forma de entretenimiento e innova una nueva manera de percibir las imágenes.

En 1895 los hermanos Auguste y Louis Lumiére patentan el Cinematógrafo el cual es una cámara mas ligera que el Kinetógrafo y la cual puede ser transportada mas facilmente lo cual permite que locaciones mas arduas como el campo sean mas fácil de acceder. El cinematógrafo captura imágenes al rodar la cinta con una palanca de mano rotatoria la cual captura imagenes a 16 fotogramas utilizando película de 35mm. A través del Cinematógrafo; los hermanos Lumiére perfeccionaron la manera en la que el Kinetógrafo capturaba las imagenes ya que llegaron a la conclusion de que había que hacer que la imagen se retuviera para que tuviera un movimiento constante; bajo la observación de la persistencia retiniana en la cual se la imagen se retiene por una décima de segundo en nuestro ojo, calcularon que las imágenes deverian de ser proyectadas a 10 fotogramas por segundo para capturar el movimiento como realmente mira el ojo humano. Inmovilizando a algunas imágenes y tirando la cinta 16 veces por segundo, los hermanos llegaron a la conclusión de que las imágenes devian de ser proyectadas a 16 fotogramas por segundo.

Durante estos mismos tiempos, el ilusionista frances Georges Mélies también se había interesado en el desarrollo de la imagen en movimiento y fue otro de los pioneros que contribuyo a este nuevo arte. El también desarrollo sus propios artefactos y filmó sus propias películas. Una muy interesante en mi opinión seria "El Viaje a la Luna" (1902) pues su idea de un cohete disparado a la luna a través de un cañón y el encontrar vida en la Luna era una idea bastante moderna y precursora del genero de la ciencia ficción.

Reflexión: 

Tanto Edison como los hermanos Lumiére y Mélies fueron los pioneros del cine y aunque los 3 experimentaron con los mismos artefactos y perfeccionaron la técnica y las herramientas para la captura de las imágenes en movimiento; los 3 tenían una visión y un lenguaje diferente el uno del otro.

Edison estaba mas interesado en documentar cosas comunes que nos intriguen de una manera que nos entretenga de ya que nos muestra los entretenimientos mas comunes de la época como luchadores de boxeo, bailarinas, etc.

Los hermanos Lumiére deciden mostrar una documentación de imágenes en movimiento en planos fijos, mostrandonos imágenes de la vida cotidiana: gente saliendo del trabajo, caminando en las calles, etc. Nos tratan de dar una visión de la época al mismo tiempo que nos enseñan la innovación de sus creaciones.

Finalmente Mélies nos decide mostrar una vision en la que decide contarnos una historia, ficticia o basada en épicas literarias. Experimenta con sus filmes de una manera teatral con complejos diseños de escenarios y vestuario.

Mas tarde surgiría D.W Griffith el cual también inovaria el modo de ver las imágenes en movimiento, el desarrollo de una historia y el lenguaje en el cine, pero en lo que a lo que pre-cinematografico se refiere; Edison, los hermanos Lumiére y Mélies fueron los primeros en realmente llegaron a  innovar las imágenes en movimiento de una manera esencial y no solo de esto, sino también de crear un nuevo tipo de percepción para la gente la cual, serviría como entretenimiento y como una herramienta de difusión tan efectiva como los libros o el teatro.

Es interesante analizar como estos inventos cambiaron la manera de percibir el mundo durante esas épocas, podemos comparar esa reacción a los tiempos actuales pues nuestra percepción del mundo cambia día a día con el uso del internet y las nuevas herramientas tecnológicas que permiten modificar las imágenes como Photoshop o los programas de animación como After Effects o Maya pues, podemos modificar la realidad a nuestro gusto, creando realidades "virtuales" y a través de YouTube y otros sitios de internet, podemos conseguir información de cualquier tema que nos interese y esta es accesible para todos. Podemos expresarnos libremente si contamos con estas herramientas tecnológicas y crear un lenguaje propio.

Persistencia Retiniana

Persistencia Retiniana: 

La persistencia retiniana es una función del ojo humano en la cual, la imagen a la cual estamos mirando permanece en la retina durante una décima de segundo antes de desaparecer y de esta manera podemos percibir los objetos en movimiento. Podemos percibir claramente la persistencia retiniana cuando vemos objetos con movimientos rápidos como las luces de un carro que pasa a gran velocidad o un bailarín que juega con cadenas de fuego; el camino que deja esta luz seria la imagen la cual persistente en nuestra visión.

Este concepto fue introducido y demostrado por primera vez en el Siglo XIX por el físico belga Joseph Plateau quien descubrió que nuestra visión captura el movimiento de un objeto a una velocidad de aproximadamente 10 imágenes por segundo.

De las primeras herramientas que surgieron para demostrar este efecto; el Thaumatropo inventado por John Ayrton en 1825 consistía de dos imagenes colocadas en un disco el cual giraba por medio del uso de cuerdas en ambos extremos, creando la ilusión de una imagen que cambia:

En 1829, utilizando distintos tipos de herramientas; Joseph Plateau demostro la persistencia retiniana creando el efecto de movimiento a tráves del uso de un disco giratorio colocado en frente de un espejo, este invento se llamo el Fenaquistiscopio:

En 1834, William George Horner inventa el Zoetropo, el cual es parecido al Fenaquistiscopio pero se encuentra sobre una base rotatoria y se observa desde los espacios que se forman en el movimiento del disco:

Mas tarde en 1877; inventado por Émile Reynaud surge el Praxinoscopio el cual es casi igual al Zoetropo con la excepción de que cuenta con espejos integrados para observar la imagen en movimiento:

Poco después en 1879; el fotógrafo ingles Eadweard Muybridge inventa el Zoopraxiscopio el cual consiste de un disco con varias imágenes que gira sobre una luz que proyecta la imagen en movimiento en una superficie fija. Este invento fue el antecesor del Cinematógrafo:

El fotografo frances Étienne Jules Marey realizo varios experimentos con el mismo propósito de encontrar la imagen en movimiento, este experimentó con un rifle el cual cuenta con un disco giratorio y por el cual se observa la imagen. La diferencia con Muybridge es que su trabajo era mas científico que artístico ya que tomo secuencias de fotos de varios ejemplos de objetos y personas en movimiento; desde perros caminando hasta personas realizando saltos acrobáticos.

Es curioso que Muybridge y Marey no solo nacieron y murieron en el mismo año y cerca del mismo mes sino que también; contaban con las mismas iniciales en sus nombres y los dos se unieron en la misma búsqueda: analizar la persistencia retiniana y el movimiento en la imagen.

Estos grandes inventores y sus herramientas son  los grandes antecesores del cine.

 El cine nos permite ver imágenes en movimiento las cuales corren a la velocidad de 24 imágenes por segundo. De esta manera podemos manipular el tiempo a través de las imágenes en movimiento; al hacer menos imágenes por segundo creamos una imagen con una continuidad de tiempo rápido y al usar varias imágenes por segundo creamos una continuidad con una velocidad lenta.

Otro tipo de herramientas mas sencillas nos pueden servir para observar la persistencia retiniana como un flipbook tambien llamado Kineógrafo, creado por John Barnes Linnet en 1868:

Conclusión: 

Creo que es interesante analizar este concepto ya que dio origen a la animación, el video y también el cine así como también a como contar una historia o transmitir un mensaje y lo cual cambio la historia de las artes visuales pues lo mas cercano a contar una historia visualmente antes del cine seria el teatro.
En tiempos actuales; la evolución de herramientas y tecnologias modernas como el Iphone y YouTube, las pantallas táctiles o los experimentos de hologramas que están proceso de desarrollo; han sido posibles gracias a estos pioneros de la imagen en movimiento y han sido el producto del descubrimiento de la persistencia retiniana.

Imágenes en Movimiento-Primera Entrada 2do Semestre

-Experiencia previa con Video:

Desde muy temprana edad he tenido una experiencia cercana en el campo de las imagenes en movimiento asi como también con el campo del video ya que mi madre es directora de cine experimental y eso me ayudado a ampliar mi visión cinematográfica.

Gracias a esto pude conocer a varias personalidades del video arte de las cuales aprendí bastante.
Llegue a aprender como asistir en la fotografia y como ser parte de un equipo cinematografico.

Una de las personas que mas admiro actualmente en el campo de la fotografia y el video es el fotografo Ron Fricke el cual dirigió películas como "Chronos"(1985) o "Baraka"(1992) o recientemente "Samsara"(2011).

Durante mi estancia estudiando en San Francisco; tome un curso de cinematografia en el Instituto de Arte en donde aprendi a usar una camara Bolex de tres lentes. Use pelicula de 16mm y tambien aprendi a usar una camara Super 8.
Tambien aprendi a rebelar a mano así como tambien a como transferir la película a un formato digital.

-Estos son cortometrajes hechos con película de 16mm y 8mm:

                                                            "The New Atlantis"
                                   http://www.youtube.com/watch?v=wfRUJ6rjZNU


                                                                    Tai Chi 16mm

6 meses después tome un semestre de cinematografia en la Academia de Arte de San Francisco. Tuve una clase de edición en donde aprendi historia del cine y estudie a los grandes pioneros del cine como Thomas Edison, los hermanos Lumiere y D.W Griffith. Tambien aprendi a utilizar y reconocer los  diferentes tipos de montaje en la edición al estudiar a Sergei Eisenstein y otros cineastas tempranos.
En esta clase de edición aprendi a usar el programa para editar Avid Media 7 aunque he perdido un poco de practica. Este video fue mi proyecto final en la clase de edición:


                                                              "Creation and Destruction"

También tome una clase de como contar una historia cinematográficamente en donde aprendí a hacer storyboards así como también realice remakes de escenas criticas de películas como "Psicosis" de Hitchcock entre otras:


                                                               



                                                                      Duel Remake

                                                                  "Psicosis" Remake

                                                           "Memento" Choking scene

-Que consideras que es un buen video?

Considero que un buen video o film necesita una continuidad fluida tanto en la fotografia, el tema, la historia (si es que hay una) o el desenlace y el ritmo. Sobre todo; que transmita el sentimiento o la sensación de realidad al espectador y que este se olvide de que esta viendo una película o un video; que se tele-transporte al video y a esa realidad.



-Con que equipo fotográfico cuentas?

Por el momento no cuento equipo fotográfico de alta calidad. Cuento con una cámara digital de video muy sencilla, una Kodak Playsport la cual puede grabar a una resolución de 1080p y se puede sumergir bajo el agua. Es parecida a la Hero GoPro pero no tan estable y no cuenta con tantas funciones. También cuento con la cámara de mi iPad mini la cual no creo que sea de mucho uso. Para tomar imágenes en movimiento como un time lapse; cuento con una Nikon d90 la cual puedo utilizar de vez en cuando si la pido prestada con anticipación.

-Expectativas del curso:

Espero poder aprender un poco mas a como usar cámaras reflex digitales así como también el uso de diversos lentes y sus funciones.
También espero poder aprender a como usar mis memorias externas de una manera adecuada y como organizar mis archivos pues es algo con lo que constantemente tengo dificultades.
Finalmente tengo muchas ganas de aprender y trabajar con After Effects pues nunca lo había hecho y creo que es algo necesario para mi formación como artista visual.